BRINDEMOS CON ELLAS Y CON ELLOS ¡¡¡FELIZ 2010!!!

Se me ocurre que podeis disfrutar este prólogo del año que se avecina (con toda su parafernalia, si dios no lo remedia) con una selección de vídeos (Once, el doce lo ponen ustedes) que me han parecido muy apropiados. Algunos son nostálgicos, otros actuales, pero los más, auténticas joyas del cine o de la música. Entrad en la galería y disfrutad.

Para empezar, una jovencísima Ann-Margret nos canta aquello de Bye Bye, Birdie (llamemos así al año que acaba)


Este vídeo me fue sugerido por esa serie estupenda que ustedes pueden empezar a ver por Canal Plus la próxima semana y que corresponde a la tercera temporada de "Mad Men".
Este que sigue es tan espectacular como su estrella. ¡Ñores y Ñoras, la sin par Marilyn Monroe en "Diamonds are a girls best friend"


Tremendo. Pues abróchense los cinturones y pasen al Cabaret y gozen en ¡¡¡¡¡El Angel Azul!!!!

Las cosas se ponen al rojo vivo ¿cierto?.....Tomemos unas copas para entonarnos y sigamos en el Cabaret, porque despues de escuchar "Falling in Love Again" se impone el materialismo del dinero.


Aun las casacas pardas y las esvásticas no habían borrado la alegría. Pero pasemos página y quitémonos el sombrero porque sale a escena el hombre de la garganta de oro. ¡¡Frank Sinatra!!


Dan ganas de seguir escuchando a este hombre, pero tampoco este otro tipo lo hace mal , y bien haría dios si lo escuchase....se lo merece.


Era Topol, obviamente, y esa maravilla de canción titulada If I were a rich man, de la inolvidable "Fiddler on the Roof". Seguimos con las maravillas.
Este cantante y esa preciosísima canción fueron para mí un hermoso castillo de fuegos artificiales en un lejano primero de año en Londres. La chica se llamaba Daniela y era una australiana en cuyos ojos había una vida llena de verdes apacibles.


¿Alguno de vosotros sigue soñando con esta cancion?
Cambiemos de registro y oigamos a la más genuina de las Liza Doolitle, a pesar de que el papel en el cine se lo arrebató una incomparable Audrey Hepburn. ¡¡¡Oigan y vean, señoras y señores a Julie Andrew


Pero también veamos la actuación de su tocaya en el cine, la ya nombrada Audrey Hepbrun en My Fair Lady.



La primera una gran cantante y una gran actriz, la segunda una grandísima actriz.
De todos los mitos del cine hay uno que por muchas veces que se repita siempre mantendrá viva la llama de un recuerdo imborrable. Ella, por derecho propio, tiene el honor de estar para siempre en el panteòn de las diosas ilustres.


Rita Hayworth y la inmortal "Put the Blame on Mame".
Cada vez que oigo este solo del gran Jimmy se me ponen los pelos de punta.


Ningún tiempo pasado fue mejor, pero sí hubo momentos irrepetibles y éste fue uno de ellos, y alguno de mi generación coincidirá conmigo al escuchar este "National Anthem".

Llegado al número doce. El número que culmina unos momentos mágicos. Los dedos se me agarrotan en el teclado. Hay docenas y docenas de estos momentos.....¿Cuál será ese momento numero doce?. Queridos amigos, la solución debeis de darla ustedes. ¡Completad ese momento y yo lo iré colocando según vuestros deseos!
Con este post termino el año 2009 y me despido de todos vosotros hasta un esperanzador 2010 con el mejor deseo ¡UN FUERTE ABRAZOTE PARA TODOS!


Este video es petición de nuestro amigo Crowley para el número doce.



Nuestro amigo Josep ha sugerido que nada mejor que Bing Crosby y esa maravilla de canción titulada White Christmas


Sigamos con los videos, amigos.
Alicia, la luz femenina de la linterna, nos sugiere esta preciosa canción "Maybe this Time" y Liza Minnelli repite. Se lo merece.


Gracias por vuestras respuestas a mi proposición.

Desde Argentina, nuestro amigo 1600 nos propone ¡¡Something diferent!! el himno moderno más emocionado y sentido "Imagine"


Gracias y allá va por vos!!!

DAvid, te coloco tu idea inicial. Judy Garland faltaba en la selección y ya que estaba la hija no podía ser menos el colocar a la madre.



Va pues, por tí con los mejores deseos.
Justo el último día de este 2009, el amigo Father Caprio sugiere un broche de oro para este post. Judy Garland, de nuevo con el mítico Somewhere over the rainbow. Como gustes, amigo y con los mejores deseos.

¡¡¡¡HASTA EL PROXIMO AÑO, AMIGOS!!!

¡FELICIDADES, AMIGOS!

Todos los que amamos el cine, amamos la vida. Yo soy un vicioso de la vida y con mi querido Serrat no me importaría cantar:

"De vez en cuando la vida
toma conmigo café
y está tan bonita que da gusto verla.
Se suelta el pelo y me invita
a salir con ella a escena"

No me puedo quejar, y aunque me pongo negativo y pesimista a veces, es más por los demás que por mí mismo. En el fondo lo que más quiero, es transmitiros de todo corazón la alegría de vivir. La experiencia lo merece, creedme. Parafraseando a mi otro cantante español preferido, el Sabina, aun no he llegado a esa edad en la que solo se tiene un pasado imperfecto. Por lo pronto quiero compartir con todos ustedes durante el año que viene este blog , que establece un hilo invisible de amistad entre nosotros.

Me vais a perdonar el atrevimiento de colocar a esos dos personajes en el marco de esa inolvidable "Casablanca", pero no pequemos de falsa modestia, también lo merecemos ¿o no?.

¡¡¡¡FELIZ 2010!!!......Y QUE SIEMPRE NOS QUEDE EL CINE.....Y LA AMISTAD.

EL SHOW DE NAVIDAD

¡¡¡Tachannnn!!!....¡¡¡señoras y señores, la Navidad vuelve, of course, por Navidad!!!...¡¡¡tengan a punto sus tarjetas de crédito!!!....el cortingles, el carreful, el mediatonto están con sus puertas abiertas de par en par para sacarles las perras y dejarles abandonados en una interminable cuesta de medio año, que no de Enero.

Pero no pongan caras tristes. La navidad viene para que nos alegremos. Hay que ponerse dos trabitas a cada uno de los lados de nuestra cara y poner sonrisa de gato de Cheshire. Hay que cantar villancicos y darle al pandero y la zambomba mientras nos atiborramos de guisqui o ron y nos zampamos los deliciosos mantecados de la abuelita.

En fin, basta de ironías y pongámonos serios. A falta de mi particular felicitación cinematográfica que pienso colgar la próxima semana os dejo hoy dos "villancicos". No son canciones de navidad en el sentido ortodoxo del género, pero vienen al pelo, aunque la autoridad episcopal se tire del iden.

Hay una cantante poco conocida, de quien poseo tres vinilos que son bastante difíciles de encontrar. Ella es Dory Previn y en más de una ocasión he hablado de ella. Esta especie de villancico está dedicado a una supuesta hermana de Jesús que no tuvo tanta publicidad en su nacimiento. La cantante se pregunta muchas cuestiones acerca de este hecho más que posible.


La canción se titula "Did Jesus Have a Baby Sister?

Did Jesus have a baby sister?
Was she bitter?
Was she sweet?
Did she wind up in a convent?
did she end up on the street?
on the run?
on the stage?
did she dance?
Did he have a sister?
Did jesus have a sister?
did they give her a chance?

Her brother's birth announcement was pretty big
Her mother was the virgin when she carried him.
If the litle girl came later then
Was she conceived in sin?
And in sorrow?
and in suffering?
and in shame?
Did Jesus have a sister?
What was her name?

La canción termina con unos interrogantes muy sabrosos

He's the boss
He's the chief
He's the man
He's the show
Did he have a sister? A little baby sister? Doesn't anyone know?

En fin, ¿qué hubiera ocurrido si el espíritu santo hubiera puesto la semillita de una niña?.

Como ando un poco amoscado con estas fiestas, a pesar de que vivo de ellas, ¡ojo, espero que por poco tiempo! también incluyo esta canción del Boss, que pone en solfa el cinismo de nuestra civilización occidental (y eso que han pasado un mogollón de años por ella) . Perdonadme si soy tan pesimista. Mañana os desearé lo mejor. Hoy generalizo a la vista de lo que sucede.

Peace, love and understanding
There must be some place for these things today?
They say we must figth to keep our freedom
But, Lord, there's gotta be another way
That's better than
War?
What is it good for?
Absolutely nothing
Say it again
War
What is it good for?
Absoutely nothing.

¿Quién ha dicho últimamente que es necesaria la guerra para mantener la paz?. En fin queridos amigos, como "Regalos Helios" (publicidad de mi negocio) necesita vender estos días para aprovechar el "buen espíritu de la navidad", solo colgaré mi felicitación en la próxima semana y hasta después de Reyes no vais a verme el pelo (cosa harto difícil en la realidad). Si entre fechas aparece algún post será señal de que se vende poco y que la inminente llegada de las vacas gordas que anuncia Zapatiño, ha quedado bastante rezagada. Voy a cruzar los dedos y pásense por mi tienda si desean hacer algún regalito majo. ¡Tenemos de todo! (Joder con la mano tonta haciendo publicidad)

EL ABURRIMIENTO DE UN BAILE

No es mi costumbre detenerme en comentar películas de ultimísima actualidad. Hay teclados mucho más expertos que el mío, y cuando mis compañeros publican el post correspondiente, puedo expresar mi opinión en los consabidos comentarios. Pero con esta película de Fernando Trueba (que dice tener como dios a Billy Wilder) he decidido adelantarme ya que ayer, festividad de nuestra "sagrada constitución", decidimos la Lola y yo dirigirnos al querido cine Monopol en el corazón de la Triana grancanaria , y sin invocar ni a dios ni al diablo (desconociendo las críticas escritas y desobedeciendo los consejos de mi hija madrileña) nos metimos en el baile de Trueba.

Me ocurre con los libros, las películas y las series una cosa muy curiosa; si pasadas las primera cincuenta páginas del libro, éste no me cuela lo suelo dejar dormir y repetir en otra ocasión para ver si ando equivocado; con las pelis suele ocurrir que si a los diez minutos no logra que mis retinas lleguen a captar el sueño del director, entonces es que se avecina desastre.

"El Baile de la Victoria", basado en el libro del mismo título de Antonio Skármeta (que no he leído) ha conseguido que mi ánimo haya ido pasando progresivamente desde la atención contenida, a la desconfianza confusa, a la verguenza ajena y al más soberano de los aburrimientos. ¿Cómo es posible que un actor, actorazo diría, como Ricardo Darin, que me ha conmovido recientemente en "El secreto de sus ojos" o en "Nueve Reinas", me deje tan frío e indiferente en este bailongo?.

Trueba, que precisamente este domingo ha tenido el privilegio de ver publicada una extensa entrevista en El Pais semanal, se ha lucido, y bien. Su película es farragosa, pedante, aburrida, falta de ritmo y de coherencia y los actores están pésimamente dirigidos.

El guión no se si es que el tío estaba soplado o se creyó que su particular dios le iba a soplar lo que tenía que hacer, porque a pesar de todo yo creo que la historia original no era mala en su origen (insisto en que no he leído la novela).
La historia pretende llegar al corazón de los espectadores a través de los sentimientos de dos presos que acaban de ser amnistiados en el Chile postpinochetista(no sabemos exactamente en qué fecha , ya que Trueba mezcla móviles con maquínas de escribir antiguas y videojuegos(?)) Uno de ellos es un conocido delincuente, ahora un tipo desdibujado cuya forma de actuar no se la cree ni la madre que lo parió. El otro , un chiquejo simplón que en los dos años que ha pasado en la carcel, con experiencias traumáticas, no le han enseñado absolutamente nada de la vida y sigue siendo un ingenuo compulsivo. En medio de ambos se mueve una bailarina vagubunda, con hábitos extraños en cines porno. El maestro gangsteril y el ladronzuelo de poca monta se embarcan en un robo complicadísimo que se resuelve en un plis plas de pena chapucera. En medio de esta absurda trama se mueven personajes tan siniestros como los villanos de Mortadelo y Filemón y una Ariadna Gil tan sosa y desdibujada que resulta patética.

Despues de ver esta película creo que el cine español tiene lo que se merece. Las autoalabanzas y los incensarios mutuos son la forma más estúpida de ocultar lo que verdaderamente esconde la industria cinematográfica española: falta de ideas, oportunismo, endiosamiento y falta de olfato para hacer un cine que interese a los españoles, a los europeos y a los americanos.
Es de verdadera pena, que lleguemos a la conclusión, tal como demostró nuestro amigo Josep comentando "Calle Mayor", que cualquier tiempo pasado del cine español fue infinitamente mejor que el actual.

Estoy de acuerdo con una crítica que he leído de "El baile de lla Victoria" en la que dice que el Ministerio de Cultura con la inefable Sinde al frente ha sobrepasado todos los límites del ridículo eligiendo a esta peli para los oscar. El mismo que hicieron cuando escogieron al Chiquilicuatre para Eurovisión. ¡De pena!

CUANDO EN NAZILANDIA SE TIRARON DE LOS PELOS

No me voy a detener en comentar esta gran película por la sencilla razón de que todo lo que yo diga sobre ella lo habrán dicho mejor alguno de nuestros amigos. Por eso me vais a permitir dos cosas. Una de ellas, reproducir íntegramente el discurso final de la película y contaré algunos sucesos que ocurrieron tras el estreno de la película.

EL DISCURSO

"Lo siento, pero no quiero ser emperador. No es lo mío. No quiero gobernar o conquistar a nadie. Me gustaría ayudar a todo el mundo- si fuera posible- a judíos, gentiles, negros, blancos. Todos nosotros queremos ayudarnos mutuamente. Los seres humanos son así. Queremos vivir para la felicidad y no para la miseria ajena. No queremos odiarnos y despreciarnos mutuamente. En este mundo hay sitio para todos. Y la buena tierra es rica y puede proveer a todos.
El camino de la vida puede ser libre y bello; pero hemos perdido el camino. La avaricia ha envenenado las almas de los hombres, ha levantado en el mundo barricadas de odio, nos ha llevado al paso de la oca a la miseria y la matanza. Hemos aumentado la velocidad. Pero nos hemos encerrado nosotros mismos dentro de ella. La maquinaria, que proporciona abundancia, nos ha dejado en la indigencia. Nuestra ciencia nos ha hecho cínicos; nuestra inteligencia, duros y faltos de sentimientos. Pensamos demasiado y sentimos demasiado poco. Más que maquinaria, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, necesitamos amabilidad y cortesía. Sin estas cualidades, la vida será violenta y todo se perderá.
El avión y la radio (habría que añadir la televisión) nos han aproximado más. La verdadera naturaleza de estos adelantos clama por la bondad en el hombre, clama por la fraternidad universal, por la unidad de todos nosotros. Incluso ahora, mi voz está llegando a millones de seres de todo el mundo, a millones de hombres, mujeres y niños desesperados, víctimas de un sistema que tortura a los hombres y encarcela a las personas inocentes. A aquellos que puedan oírme, les digo: "No desespereis".
La desgracia que nos ha caído encima no es más que el paso de la avaricia, la amargura de los hombres, que temen el camino del progreso humano.El odio de los hombres pasará y los dictadores morirán y el poder que arrebataron al pueblo volverá al pueblo. Y mientras los hombres mueren, la libertad no perecerá jamás.
¡Soldados!¡No os entreguéis a esos bestias, que os desprecian, que os esclavizan, que gobiernan vuestras vidas; decidles lo que hay que hacer, lo que hay que pensar y lo que hay que sentir! Que os obligan a hacer la instrucción, que os tienen a media ración, que os tratan como a ganado y os utilizan como carne de cañón. ¡No os entregueis a esos hombres desnaturalizados, a esos hombres-máquinas con inteligencia y corazones de máquina!¡Vosotros no sois máquinas!¡Sois hombres!¡Con el amor de la humanidad en vuestroscorazones!¡No odieis!¡Solamente aquellos que no son amados odian, los que no son amados y los desnaturalizados!
¡Soldados!¡No lucheis por la esclavitud!¡Luchad por la libertad! Está escrito en San Lucas que el reino de Dios se halla dentro del hombre, ¡no de un hombre o de un grupo de hombres, sino de todos los hombres!¡en vosotros! Vosotros, el pueblo, teneis el poder, el poder de crear máquinas. ¡El poder de crear felicidad! Vosotros, el pueblo, teneis el poder de hacer que esta vida sea libre y bella, de hacer de esta vida una maravillosa aventura. Por todos. Luchemos por un mundo nuevo, por un mundo digno, que dará a los hombres la posibilidad de trabajar, que dará a la juventud un futuro y a los ancianos una seguridad.
Prometiendoos todo esto, las bestias han subido al poder. ¡Pero mienten! No han cumplido su promesa. ¡No la cumplirán! Los dictadores se dan libertad a sí mismos, pero esclavizan al pueblo. Ahora, unámonos para liberar al mundo, para terminar con las barreras nacionales, para terminar con la codicia, con el odio y con la intolerancia. Luchemos por un mundo de la razón, un mundo en el que la ciencia y el progreso lleven a la felicidad de todos nosotros. ¡En nombre de la democracia, unámonos!"

Cuando oí por primera vez este discurso ,viendo esta película , os aseguro que me conmoví hasta llorar. Yo estaba trabajando fuera de España y el otro dictatorzuelo, que ya chocheaba, hacía chochear a medio pais. Mis amigos se quedaron asombrados de mi reacción, era lógico porque ellos llevaban toda su vida viviendo en libertad y democracia.

Cuando la película se estrenó en EEUU este país aún no había entrado en guerra con Alemania. Incluso había grupúsculos nazis en Nueva York con sede propia. Chiquejos de esta condición se apostaban en la Quinta Avenida arengando a los transeuntes con palabrejas y anuncios de este tipo: " La filosofía de Hitler es un estudio profundo y meditado de los problemas de esta época industrial, en la cual hay poco sitio para los mediocres y los judíos".
El propio Chaplin cuenta en su Biografía que una mujer se paró y con gesto malhumorado increpó a los chicos diciéndoles que aquello era America y no Nazilandia.
Por lo visto el tipo que lideraba el cotarro se enfrentó a la buena mujer y le dijo que él era ciudadano americano.
La respuesta de la dama fue de antología: "Pues yo soy ciudadana americana y judía, y si fuera hombre, echaría al suelo tu tenderete".
Parece ser que solo dos transeuntes apoyaron a la mujer e incluso un policía la calmó, pero se abstuvo de hacerles ni decirles nada a los lobeznos nazis.

Cuando en 1938 se filtró la noticia en los estudios de Hollywood del argumento de "El Gran Dictador", muchas voces le susurraron al cómico que no metiera mano en aquel fregado porque traería problemas. A los magnates no les importaba que el bigotes hubiera invadido Checoslovaquia un mes antes. Aquello quedaba muy lejos de Amèrica.
La cuestión tenía un matiz. Alemania era la gran fagocitadora de las películas de Hollywood y aquella película podría cerrar el grifo de ganancias.
Tras el estreno de "El Gran Dictador" la Metro quiso calentar paños a los distribuidores alemanes. En parte lo consiguió, pero finalmente en septiembre del 40 ninguna película americana pudo estrenarse en la Alemania de Hitler. Solo un año más tarde aquellos que habían cerrado los ojos a las locuras del dictador quedaban horrorizados por el ataque de los japoneses a la flota en Pearl Harbour y cómo cuatro días después el Furher declaraba la guerra a Estados Unidos.
Los alemanes pudieron ver "El Gran Dictador" por primera vez en 1958. En España creo que no fue hasta 1976 ó 77 cuando pudimos gozarla, parece ser que al chiquilín uniformado le daba urticaria cada vez que le nombraban esta película.
¡Qué gran vision tuvo el gran hombre del bigote, naturalmente el bueno!

IRELAND IN MY HEART

Ahí, muy cerquita de ese histórico pub dublinés, ando por estos días buscando un hotel decentito y si es posible con el sabor de esa ciudad literaria. La verdad es que me ilusiona preparar el primer viaje del año que se avecina. La idea partió de la Lola y enseguida me contagió el entusiasmo. Lo primero que pensé fue en esa canción irlandesa que los naturales de este país suelen cantar cuando se reúnen en las tardes de invierno en torno a esos templos de la bebida:
"A long time ago, way back in history
when all there was to drink was nothing but cup a tea
Along came a man by the name of Charlie Mops
and he invented a wonderful drink and he made it out of hops"

Y termina la cancion de forma gloriosa.

"Lord bless Chrlie Mops the man who invented beer, beer, beer
Tiddy beer, beer, beer"

Es broma. En los primero que pienso es en Oscar Wilde, James Joyce, Jonathan Swift o Butler Yeats. Una ciudad que ha parido a esta gente merece ser reverenciada y pasear por sus adoquines, aunque con cuidado "andad con suavidad porque podeis pisar mis sueños"

Dublin ha sido una de esas ciudades a las que siempre me hubiera gustado ir pero que nunca he podido visitar por una u otra razón y eso que he tenido amigos y compañeros irlandeses y al menos dos patronos de esa nacionalidad.
En realidad este post, tan fuera de contexto no es sino una invitación (obviamente ustedes tienen que poner las perras) para todo aquel que quiera sumarse. Cuando le hablé a un amigo de Madrid, por si quería acompañarnos lo primero que me dijo fue: "Antonio, no te das cuenta de que en la península estamos pasando un frío de la hostia ¡cómo pretendes que te acompañemos a Irlanda el 30 de Enero!...Eso solo se le puede ocurrir a unos canarios locos"
No le faltaba razón a este buen amigo. Siempre hemos elegido en esas fechas del año, que no viaja ni dios, algunos extravagantes destinos como Escocia, Londres, Viena o Brujas...en fin. Os aseguro que los precios son mucho más normalitos y te puedes divertir muchísimo porque todas las ciudades están en temporada de espectáculos. Por poneros un ejemplo. Acabo de consultar el Clarence Hotel, el de Bono, y cinco noches en una lujosa habitación doble me cuesta quinientos euros.

Y hablando de cosas terrenales quien podrá resistirse a subir al Gravity Bar en la Guinness Storehouse y contemplar ese panorama dublinés (aunque dudo muchíiiisimo que el cielo esté tal que en la foto por esas fechas)
Bueno la invitación está hecha y dado que dos amigos entrañables, sí, el Josep y el Marcbranches me colocan etiquetas que no me corresponden y que manchan mi honorabilidad de tío maduro acabo con unos versos de T.S. Elliot que vienen al pelo ya que no todo es pensar en beer o en jameson's
"We shall not cease from exploration
And the end or all our exploring
Will be arrive where we started
And know the place for the first time".

LAS WALKIRIAS DE FELLINI

Mas de uno de ustedes ha comentado o ilustrado la famosísima escena de "Apocalipse Now" en la que Copola emplea la música de la ópera de Wagner "La Walkiria". No se si cuando el director decidió musicar ese celebérrimo fragmento tuvo en cuenta, en el caso de haberla visto, otra secuencia genial musicada con la "Cabalgata de las Walkirias". Naturalmente me estoy refiriendo a las primeras secuencias de una obra maestra de Fellini: "Ocho y medio".


No está de mal que goceis de esta maravilla de escena antes de entrar en materia. ¿Verdad que es genial?....Pues hablemos de la gestación y la producción de esta obra fundamental del director italiano.
Nos encontramos en el año 1962. Federico Fellini está en la cumbre de su carrera, "La Dolce Vita" ha sido un éxito internacional, pero el director italiano no pasa por sus mejores momentos. Ha roto su amistad con Pier Paolo Passolini por cuenta de Accatone y en su propia productora hay grandes desavenencias. En algunos círculos próximos se comenta "off the record" que Fellini se ha endiosado y sus ideas han entrado en dique seco. En este clima nervioso Fellini anuncia el inicio de su próxima película que va a tener el título de "Ocho y medio"...Hasta los críticos más fervientes y próximos al director se echan las manos a la cabeza. "Además de feo, "Ocho y medio" es falso" comenta el crítico Pietro Bianchi. Se refería a que ocho aludía a sus ocho producciones fílmicas y el medio al episodio de Boccaccio 70, "Doctor Antonio". Pero Fellini había rodado otro "medio". El episodio "Agencia matrimonial" de "L'amore in cittá". Fuera lo que fuese, el título estuvo sometido a discusión y lo que peor hubiera podido ocurrir es que el extraño y onírico "Ocho y medio" se hubiera podido llamar "Film cómico" (Ni me puedo imaginar tal aberración de título)

La elección del actor principal no podía ser sino el protagonista de "La Dolce Vitta", Marcello Matroianni, pero el propio Fellini, a pesar de la admiración que sentía por el actor, puso ciertos impedimentos. En conversaciones con sus colaboradores, el director comentaba la buena apariencia del actor y aquel lo que quería era un tipo de apariencia siniestra y torva. Todo se solventó maquillándole ojeras, le empolvaron el cabello y le colocaron gafas. Ni más ni menos que esa imagen que acabais de ver en esas secuencias iniciales que he colgado.
Fellini tenía una proverbial mala leche y sabiendo los puntos flacos de Marcelo le dijo en cierto momento del rodaje: "Ahora tiene que resbalarse la sábana y se te tiene que ver el culo". El director sabía la reticencia que tenía el actor a aparecer desnudo ya que le acomplejaba la delgadez de sus piernas. Este se resistía y le comentaba: "No, Federico, por favor, eso va a quedar muy feo¨.

He comentado que Fellini no atravesaba su mejor época personal. De hecho andaba un poco neurótico. Se desplazaba de un lado a otro, por los alrededores de Roma, sin un destino fijo alegando que buscaba el lugar adecuado para el rodaje. Agarraba enormes cabreos con sus colaboradores acerca del guión y los productores se arrancaban los pelos de la cabeza cuando Fellini les largaba aquello de "No importa que la película sea buena o mala, lo importante es que tenga vida". Naturalmente a los productores sí les interesaba que la película fuera buena para que produjera dinero.

Después de muchas dudas acerca de la profesión del protagonista Fellini hace una pregunta retórica: " ¿Y si fuese director de cine?....He descubierto que Guido Anselmi soy yo"

Todos los comentaristas de esta singular película han encontrado múltiples interpretaciones y docenas de lecturas diferentes. Es obvio que existen numerosas referencias biográficas y guiños del entorno de la industria del cine italiano de la época. No es difícil encontrar un paralelo entre el productor Mezabotta y en su joven pareja a Carlo Ponti y Sophia Loren. La extravagante actriz extranjera es Luise REiner y muchos de los colaboradores del maestro están más o menos reflejados en sus respectivos dobles cinematográficos. Naturalmente Fellini nos muestra su particular mundo privado. Su niñez, las mujeres que le rodearon, la influencia de la Iglesia Católica. Todo ello conforma un tapiz cinematográfico que ha tenido una influencia indiscutible en posteriores directores. Woody Allen y su "Stardust Memories" o Bob Fosse en "All that Jazz" o "El fabuloso mundo de Alex" de Paul Mazursky, donde el propio Fellini hace un cameo de sí mismo.

"Ocho y medio", comenzó a rodarse el 9 de Mayo de 1962 y se completó en Octubre del mismo año. Hay una curiosa anécdota en referencia al final de la película. La última secuencia debía transcurrir en un vagón restaurante de un tren en el que Guido y su mujer regresan a Roma. En un momento dado el protagonista eleva la vista y se da cuenta de que todos los personajes de su vida (y de la película) están sentados en las mesas del restaurante y le sonríen de forma extraña. Esta escena se eliminó para incluir un corto con la astronave en la playa de Ostia. A todo el mundo les pareció muy divertida esta secuencia y fue la definitiva. La del vagón restaurante se guardó, pero parece que tan bien, que no ha vuelto a aparecer hasta la fecha. ¡Una pena!

La película se estrena en Italia en Febrero de 1963. Las críticas, en general son elogiosas, más aún que las dedicadas a "La Dolce Vita". Pero no faltan las voces contrarias aunque respetuosas. Por ejemplo Alberto Moravia, que suele caracterizarse por ser excesivamente puntilloso escribe: "El personaje de Fellini es un erotómano, un sádico, un mitómano, un masoquista, un temeroso de la vida, un nostálgico del seno materno, un bufón, un mixtificador y un farsante. En algún sentido se parece a Leopold Bloom, el protagonista de "Ulises" de James Joyce, novela que Fellini demuestra en más de una ocasión haber leído y meditado".
Es más que posible que Fellini hubiera leído la novela de Joyce pero con todos mis respetos no estoy de acuerdo con Moravia. Nada más lejos que la exuberancia latina de Fellini y la melancolía dublinesa de Joyce.

El 13 de Abril de 1964 en el Auditorio de Santa Mónica en Los Angeles, Fellini recibe dos oscars de la Academia. Al mejor vestuario en blanco y negro y a la mejor película extranjera, galardón que el propio Fellini recibe de manos de Julie Andrews. Cuando el director vuelve a Italia la ceremonia vuelve a repetirse y en esta ocasión el propio Aldo Moro le concede a Fellini la preciada estatuilla.

Es obligado decir que "Ocho y medio" sirvió de inspiración a un celebrado musical de Broadway (que pronto veremos en su versión fílmica) titulado "Nine" en adaptación de Mario Fratti , libreto de Arthur Kopit y letra y música de Maury Yeston, que se estrena en el 46th Street Theatre protagonizado por Raul Julia en el papel de Guido (también interpretó el papel Antonio Banderas). Curiosamente, aunque Fellini dió permiso para adaptar su obra nunca permitió que se utilizase el título de su película, de ahí "Nine" y tampoco permitió que su nombre apareciese tras la coletilla "basado en la obra de".
Una nota amarga de "Ocho y medio" es que poco despues de finalizada la película, el pequeño actor que dió vida al Guido niño falleció de una enfermedad incurable.

PURA QUIMICA

Todos sabemos que cuando hablamos de "química" en lenguaje cinematográfico nos referimos a una enorme atracción entre dos intérpretes o entre intérprete y director que deviene en algo que sobrepasa la pantalla. Bien pues entre Marlene Dietrich y J.V. Sternberg existía pura química.

El sexo es una celebración jubilosa en "The Devil is a Woman", la última de las siete películas en las que se combinaron los talentos de la Dietrich como actriz y Josef von Sternberg como director. También en esta película se cerró el círculo en el que cabalgaron actriz y director en una tormentosa relación que comenzó con "El Angel Azul".

Esta película, al margen de los disgustos que causó tanto por parte de la crítica como del público, fué motivo de un incidente diplomático protagonizado por España. El gobierno español protestó enérgicamente por el retrato que se hacía de un militar burlado por una mujer (según el gobierno de la República) falta de toda moral. Gil Robles, por entonces ministro de la Guerra, dispuso que a partir de entonces quedaban prohibidas en España todas las películas de la Paramount, y pedía al gobierno de los Estados Unidos que "The Devil is a Woman" se retirase de las carteleras de todo el mundo.
El Departamento de Asuntos Exteriores americano puso manos a la obra y colocó firmes a todos los ejecutivos de la productora. Se les ordenó que recuperasen todas las copias de la película y se destruyeran lo que el embajador español consideraba un insulto a España y a los españoles ¡Ole, la grasia!
¿Realmente los ejecutivos de la Paramount hicieron caso a la perreta española? ....Hicieron un juego de manos y "desaparecieron" los negativos. Cuarenta años después aparecieron ¡Abracadabra!
En realidad todo este tejemaneje no se hubiera producido y el departamento de Asuntos Exteriores USA hubiera enseñado el dedo índice al digno Spanish ambassador de no ser por un pequeño negocio que se cocinaba bajo mesa. Por lo visto un riquísimo empresario, amigo de los militares (que ya por entonces dejaban oir el ruido de sus sables) había prometido fundar unos importantes estudios en Madrid, pero pedía que se garantizara una mínima competencia. La cosa naufragó y solo quedó el fango de un inútil escándalo. Un crítico francés aprovechó el incidente para decir"La España de Sternberg no es un pais y menos el pais español. Se trata de un pais imaginario, un pais de cuento, una especie de paraiso artificial y romántico poblado de fantasmas carnavalescos y de amores imposibles ....para qué entonces este "Auto de Fe" tan feroz?

Hacia 1934, año en que se fragua "The Devil is aWoman" el jefe de producción de la Paramount era Ernst Lubitsch, quien puso a Sternberg sobre la pista de una obra literaria titulada "La mujer y el pelele" del escritor francés Pierre Louys, que ya se había llevado a la pantalla en una versión muda de los años veinte. Sternberg se entusiasmó con el tema de tal forma que sonaron en su cabeza todos los fuegos artificiales de la España de toros y pandereta en el más puro estilo carmeliano. De hecho la película se iba a titular en principio "Capricho Español", por la pieza musical de Rimsky Korsakov, cuya melodía iba a insertarse en el film. Cuando el pícaro de Lubitsch leyó el guión escrito por el propio Sterberg y John Dos Passos sugirió el provocativo y definitivo "The Devil is a Woman".

La trama va de una cigarrera, Conchita Pérez, que seduce, ridiculiza y finalmente tira como a un trapo, a un oficial de la guardia civil (Lionel Arwill). ¿A qué suena este fatal binomio amoroso?. Naturalmente se trata de otra vuelta de tuerca a la historia de "El Angel Azul" y un reflejo de la propia y turbia vida amorosa del director con su actriz fetiche.



Sterberg quería hacer de "El Angel Azul" su película más personal y más deslumbrante y efectivamente nunca una película fué más real en los sentimientos que mostraba, a pesar de los barrocos e imposibles escenarios en los que se desarrollaba la acción.
Cuando el oficial se da cuenta de cómo es Conchita verdaderamente le dice:
- ¡No vas a seguir jugando conmigo!
-¡ Esto es fantástico!¡Ahora me amenazas! ¿Qué derecho tienes a decirme lo que debo hacer?¿Eres mi padre?¡no!¿Eres mi marido?¡no!¿Eres mi amante?¡No!....
Es la misma mujer la que se dirige al desgraciado profesor. La destructora de hombres que era Lola-Lola ha trazado la línea final del círculo. Lola-Lola es Conchita Montes, y a la vez Marlene Dietrich, que definitivamente ya no volvería a trabajar con su descubridor y Pigmalion Josef Von Sternberg.
Esta película, y todo el ciclo de esta pareja explosiva, fue pasada por Televisión Española en V.O. cuando Televisión era un lugar de cuento. Entonces la cultura, el cine, la música y los buenos programas eran moneda corriente. ¿Pero realmente aquella televisión existió o fue un sueño?

LAS RECETAS DE CINE DEL CHEF TONY

Hoy he decidido iniciar una sección para abrir el apetito, porque no solo de cine vive el hombre. Por supuesto, y dando siempre el toque, en medio de los peroles estará la gran pantalla o personajes relacionados en cierta forma con ella. Muchos de los que me leeis sabeis mis andanzas en los fogones, así pues sin más preámbulo, hoy os presento a uno de mis maestros.

Ese personaje que aparece en estas instantáneas, realizadas en un pub de Woolacombe, al norte de Devon, era alguien de lo más peculiar. Trabajé con él unos cuantos meses y al margen de su pericia cocinando, me contó las historias más peregrinas que os podeis imaginar. Era siciliano y por supuesto un magnífico cocinero. Su familia había emigrado a Roma a principios de los cincuenta, en plena reconstrucción del pais. Todos ellos, sus padres y ocho hermanos pasaron penurias sin cuento en aquellos difícilisimos años de hierro, pero cuando llegaron a la capital el padre pudo conseguir, por mediación de algunas amistades, un empleo como carpintero en las instalaciones de Cinecitta.
Gracias a ese empleo la familia salió adelante en pocos años. Pronto la madre pudo abrir una pequeña trattoria en las inmediaciones de Via Venetto, años antes de que esa vía fuera el símbolo de la dolce vita. El local se hizo muy popular y mi amigo se enorgullecía de una foto que le había dedicado su cantante preferido Frank Sinatra, cuando éste rodaba en Roma "Tres monedas en la fuente", y en un descanso del rodaje se tomó una pizza preparada especialmente por su hermano mayor, que era quien estaba al frente de la trattoría.

Una de las recetas que mi amigo aprendió de su madre y que degustaron muchísimos clientes en aquel local es la que a continuación os brindo

Preparense amigos:
"Pasta a la Trattoria de El Fauno" (para 4 personas)

Ponemos una olla al fuego con abundante agua sazonada a la que se añade un ramito de romero, laurel y un par de clavos. Cuando rompe a hervir se vierte la pasta (¡ojo! que sea de marca italiana y respetar fielmente los minutos de cocción para que quede al dente) La pasta puede ser cualquiera que os apetezca.

En una sarten grande ponemos a calentar unos ciento cincuenta gramos de mantequilla pura y un buen chorrito de aceite de oliva virgen. Añadimos cebolla muy picada (una cebolla mediana), tres o cuatro ramos de espinacas muy, muy picada (yo lo hago con la variedad de berros, son gustosísimos) y cinco o seis ajos, obviamente también picados.

Cuando toda esta mezcla esté a punto de sofrito añadimos dos cucharadas de harina y un poquito de nuez moscada y removemos todo el conjunto durante unos minutos. Inmediatamente vertemos tres cuartos o un litro de leche entera, salpimentamos al gusto y batimos toda la mezcla a fuego medio hasta que adquiera consistencia de bechamel. (En mi propia fórmula añado una cucharada de harina y otra de gofio, supongo que sabreis es harina tostada de maiz)
Cuando la salsa llega a este punto ponemos la pasta ya cocinada en una bandeja honda, le ponemos toda la salsa por encima, añadimos queso rallado y unos daditos de mantequilla y la colocamos bajo el gril hasta que comience a dorarse (alrededor de tres minutos en horno a doscientos cincuenta)
Se lleva inmediatamente a la mesa y se sirve.
Este plato puede llevar un buen albariño o un blanco suave de nuestro gusto.
Se puede acompañar de un platito de rodajas de tomate maduro sazonado con una vinagreta de mostaza y anchoas y espolvoreados de orégano.

Para empezar la cosa es facilísima ¿verdad?. Pues que aproveche.

Agradeceré todas las sugerencias que se os ocurran y a gozar de la buena mesa.

WELCOME TO HOLLYWOOD, MR. EISENSTEIN!

No sabemos si alguna personalidad de Hollywood le dió esa calurosa bienvenida al genial realizador ruso, cuando en mayo de 1930 pisaba, por primera vez, el suelo de las Estados Unidos.
Lo cierto fue que Eisenstein recibió una invitación de Hollywood. Dicha invitación tuvo ciertas formalidades diplomáticas, en las cuales medió el polifacético artista británico Ivor Montagu.
Este hombre, británico de nacionalidad y amigo personal de Eisenstein, había propiciado, un año antes el encuentro en Paris entre Jesse L. Lasky, uno de los barones de la Paramount, y el director ruso.

La noticia de este encuentro apareció en la revista Regards Magazine por medio de un escrito del propio Esenstein al crítico de la misma y expresado en estos términos:
"Despues de realizar una película para la Paramount, tal vez completada en seis meses, nuestro equipo volverá a Moscú para nuestra nueva producción soviética. Después volveremos a Hollywood para un segundo film. Podríamos realizar una tercera o una cuarta película siempre que nuestro equipo pueda estar viajando desde la URSS a EEUU o al contrario. No obstante todo este proyecto puede llegar a no realizarse si el tema de las películas no nos convence o las condiciones del trabajo no sean las oportunas, en cuyo caso volveríamos a Moscú".

A la llegada de Eisenstein y su equipo a Hollywood, Montagu, que pasó a ser miembro del equipo de guionistas, alquiló una casa para todo el personal soviético e inglés en Cold Water Canyon. Era un lugar idóneo, donde reinaba la tranquilidad necesaria para trabajar relajadamente.

Es cierto que a principios de los treinta la gente peliculera de Hollywood era calurosa en el recibimiento a sus huéspedes. El propio Montagu escribe sobre este extremo: "Cuando alguien llega por primera vez a Hollywood todo el mundo se desvive por agasajarlo y lo convierte en el centro de todas las reuniones el lema es "tomate tu tiempo, descansa, respira hondo y goza de las atenciones que van a prestarte todas estas maravillosas personas". Y así pasó con Eisenstein. Una de las personalidades que hicieron más de lo que estaba en su mano por hacer verdad aquel lema fue Charlie Chaplin"

Y comenzó el proceso de elaboración del guión. Eisenstein tuvo una primera idea: "La casa de cristal". Un edifico realizado enteramente de cristal, donde viven y trabajan cientos de trabajadores. El meollo de la historia era que todas aquellas personas, a pesar de las paredes de cristal, no tienen idea de que podrían verse los unos a los otros, hasta que una circunstancia (la acción de un ladrón) de repente les sume en la desconfianza y toman conciencia de que existen unos vecinos pared con pared. La consecuencia es el estallido de un gran conflicto generalizado.
Este esbozo de guión dejó descolocados a los guionistas americanos, acostumbrados a un argumento palpable y no a vaguedades abstractas. Ni siquiera Eisenstein estaba convencido del todo de aquel esbozo pero no encontraba nada más concreto
Por aquellos días todos los escritores que recalaban en Hollywood no se distinguían precisamente por chirimías intelectuales. Se limitaban a realizar su trabajo lo más rápido posible, cobrar el máximo por ello y regresar a casa para gozar de lo ganado.
El director ruso quiso tomarse su tiempo para encontrar la idea adecuada para su guión, tratando de conocer la cultura americana. Asistió a lecturas en las Universidades de Harvard, Columbia y Chicago, y pasó unos días en Boston en compañía de H.W.L Dana el nieto del poeta Lonfellow.
Todo lo que vió y oyo le pareció muy interesante, pero sobre Hollywood y sus gentes tenía sus reservas y en una declaración posterior dijo lo siguiente: "...salvo escasas excepciones la mayoría de la gente de Hollywood es estúpida o de mediocre interés" .

Este comentario no le había impedido fotografiarse con Walt Disney (cuyo trabajo admiraba), Marlene Dietrich, Von Sternberg y Rin-Tin-Tin.
King Vidor, por aquel entonces uno de los productores y directores más influyentes dijo sobre el director ruso:
"Una de las razones por las que me entrevisté con Eisenstein fue porque el había visionado mi último film "The Crowd" en Nueva York y el hombre andaba intrigado por algunas de las técnicas que yo había usado. Me dijo que una de las cuestiones que más le interesaban del cine americano eran nuestras técnicas precisamente. Me satisfizo enermemente acompañarlo por los estudios de la MGM y otros muchos lugares de localización de rodaje. A pesar de nuestras diferencias políticas e idiomáticas, estábamos hablando el mismo lenguaje".

Entretanto Montagu y Eisenstein continuaban buscando ideas para un posible guión. La idea inical se había desechado y también un guión basado en la novela francesa de Blaise Cendrars titulada "L'Or" y ambientada en la California de la "fiebre del oro". Por fin ambos encontraron un tema apasionante. Se trataba de la adaptación de la gran novela de Theodore Dreiser "Una tragedia americana". La novela tenía todos los ingredientes necesarios para entusiasmar a Eisenstein, la radiografía de la sociedad americana donde la lucha de clases y la ambición de un joven trabajador por llegar a los puestos más altos desemboca en crimen y tragedia.
Montagu escribió sus primeras impresiones sobre este tema: "Nos embarcamos en el guión con la firme convicción de que nos metíamos en terreno resbaladizo. Eramos un grupo de guionistas extranjeros, liderados por un director soviético y dos asociados también soviéticos, que iban a escribir para un film cuyo tema esencial era criticar a la sociedad americana. Pero cuando presentamos el escrito a la Paramount nos quedamos sorprendidos por la reacción. "Esto es un guión maravilloso" nos dijeron. No habían pasado más que unos días cuando recibimos la invitación de trasladarnos a Nueva York donde comenzaríamos a ocuparnos de la preproducción."
Tanto Montagú como Eisenstein pensaron que la película se rodaría en la costa este de Estados Unidos. Cuando llegaron a Manhattan fueron recibidos inmediatamente por Jesse Lasky quien sin mediar otra explicación les comunicó sécamente: "Lo sentimos, pero su contrato acaba de finalizar".

Tras este jarro de agua fría, y algunos piropos aparecidos en cierta prensa: "....un mensajero del infierno, un peligroso extranjero judío ha venido para envenenar a America.....un perro rojo...un sádico" aplicados a Eisenstein, entra en escena el escritor Upton Sinclair. Tanto éste como el ruso habían sentido admiración y simpatía mutua, así pues , el escritor americano le propone al director ruso rodar una película en México. Sería producida por el propio Sinclair, la esposa de éste, Mary Craig Kimbrough y algunos inversores mexicanos. Esta proposición dió lugar a una auténtica odisea , que se inició en noviembre de aquel mismo año de 1930.

Uno de los términos del contrato, estipulados por los inversores mexicanos, era que el film a realizar por Eisenstein no sería político y el coste del mismo no podía elevarse a más de 25.000 dólares. Otra de las condiciones era que el periodo de rodaje no podía exceder de tres o cuatro meses y la custión más importante era que todos los negativos y positivos del film rodado por Eisenstein en México serían propiedad de Upton Sinclair. Había un codicilo en el contrato en el que se decía textualmente "El Gobierno Soviético deberá permitir la visión íntegra del film en el territorio de la URSS".

Una vez firmado el contrato Eisenstein inicia un viaje en tren por todo el país, acompañado de Alexandrov y Tisse, sus dos colaboradores. El film se llamaría "¡Que viva México! y se dividiria en seis partes a las que llamó "moving frescoes" en doble alusión al movimiento y la emoción en paralelo a los frescos pictóricos. Esta metáfora fílmica estaba inspirada en la admiración que le produjeron las pinturas de Diego Rivera y Frida Kahlo, a los que conoció en esas fechas.
Los problemas comenzaron cuando Stalin mandó un telegrama amenazador en el sentido de que Eisenstein estaba convirtiéndose en un desertor. Esto provocó la impaciencia del director y el enfado de Sinclair.
Se rodaron alrededor de 40.000 metros de película que se dividieron en tres partes: "Truenos sobre México", "Eisenstein en México" y "El día de los difuntos". Todo este material jamás pudo ser visto por Eisenstein que volvió a la URSS, donde ya no gozó del mismo status que antes de su desafortunada, y en parte fracasada, experiencia americana.

A LA BUSQUEDA DEL PROUST CINEMATOGRAFICO

"A la búsqueda del tiempo perdido" es una de las grandes novelas del siglo XX. Todos los entendidos están de acuerdo que en la historia de la literatura hay un antes y un despues de la monumental obra de Marcel Proust.
Posiblemente de no ser por la enfermedad y la depresión que sufrió el escritor hacia principios de siglo, los lectores de hoy no podríamos degustar este denso y maravilloso escrito, que necesita toda la tranquilidad y el sosiego de espíritu para gozarlo.
Hacia 1906 Marcel Proust se instala en un piso del boulevar Haussmann y adopta un enclaustramiento voluntario solo interrumpido por algunos cortos desplazamientos en los que le sirve de chofer un joven taxista llamado Agostinelli. Marcel, que por entonces cuenta 35 años, comienza a sentir cierta satisfacción en su vida, gracias a Agostinelli, con quien comparte relación sentimental. En noviembre de 1913 se publica "Por el camino de Swann". Meses después debía aparecer "A la sombra de las muchachas en flor", pero estalla la guerra y la publicación se postpone años. En el intermedio ocurre un hecho trágico en la vida del escritor. Agostinelli se marcha a Antibes para enrolarse en la aviación y el 30 de mayo de aquel mismo año moría en un accidente en el mar.
Pasada la guerra el escritor es condecorado con el premio Goncourt, gracias al apoyo y voto de Leon Daudet, que a pesar de su furibundo antisemitismo tenía unas muy buenas relaciones con Proust.
Años más tarde, publica "El mundo de Guermantes" y "Sodoma y Gomorra". Entre escrito y escrito Proust se sumerge en una eterna desgana por la vida. La mayor parte de su tiempo está en cama con resfriados y pulmonías, en el año 1922 sufre un ataque de asma, y en octubre de aquel mismo año sale por última vez a la calle. Dias más tarde, el 18 de noviembre muere destrozado por una neumonía. Tras su muerte se publicaron el resto de los volúmenes de su obra capital: "La prisionera", "La fugitiva" y "El tiempo recobrado".

No se si algún cineasta se había interesado por esta obra antes de que Visconti pensara llevarla a la pantalla a principios de los setenta. Lo cierto fue que Visconti buscaba un tema acorde con sus deseos artísticos. Naturalmente llevar los siete volúmenes a la pantalla hubiese sido una tarea titánica e imposible. Así pues Visconti se centró en "Sodoma y Gomorra". Los guionistas Enrico Medioli y Enzo Siciliano escribieron un primer borrador que Visconti y Suso Cecchi d'Amico completaron poco después. La producción se puso inmediatamente en marcha. El reparto era "de película", Alain Delon sería el propio Marcel, trasunto del autor, Silvana Mangano sería la Duquesa de Guermantes. y Helmut Berger Morel. Para el Barón Charlus se barajaban Laurence Olivier o Marlon Brando, Annie Girardot sería Madame Verdurin, Charlotte Rampling la joven Albertine y Brigitte Bardot interpretaría a Odette.
¿Por qué no se llevó a cabo este ambiciosísimo proyecto que le venía como anillo al dedo a Visconti?.....El maldito dinero, la impaciencia de Visconti y el enfado de la productora que decide traspasarle el proyecto a Joseph Losey. Resultado final. Nada para ninguno y pérdida para los cinéfilos y amantes de la obra de Proust que nunca hubiera podido tener un director mejor que Visconti. Sin desmerecer, obviamente lo que hubiera podido ser en manos de Losey.

¿Pudo ser llevado algún otro volumen de la obra de Proust a la pantalla? Que yo sepa hay tres adaptaciones: "El amor de Swann", "La prisionera" y "El tiempo recobrado".
De todas ellas la única que he podido visionar es "El amor de Swan".

Volker Schlöndorff, el celebrado autor germano de "El joven Törless" se atreve con la adaptación del primer volumen de Proust, "Por el camino de Swann". Toda la crítica se le vino encima, pero el autor de "El honor perdido de Katharina Blum" no erró, ni mucho menos en captar el espíritu proustiano.
"Por el camino de Swann" o "El amor de Swann", título que adoptó la novela en el cine, se centra en la relación de Swann y la "cortesana" Odette de Crécy, quien lo introduce en el mundo groseramente burgués, pero inmensamente rico de los Verdurin, éstos adoptan posturas liberales de gente culta y pretenden, sin disimular su envidia, introducirse en el mundo de la aristocracia, del que proviene Swann.
Los papeles principales están interpretados por Jeremy Irons (Swann)y Ornella Mutti (Odette) . El barón Charlus es Alain Delon.

"Le Temps retrouvé" (desconozco si se proyectó en España o si fue editada en DVD) fue dirigida por Raoul Ruiz en 1999. El director adapta el último de los volúmenes de A la búsqueda.. Posiblemente, siendo una producción francesa, puede tener todos los vicios y todas las virtudes del cine galo. El reparto de esta producción cuenta con un buen plantel entre los que se encuentran Catherine Deneuve como Odette y John Malcovich en el papel de Baron Charlus.
La directora belga Chantal Akerman se atreve con "La prisionera" en el año 2000. No he conseguido ninguna información sobre esta película. Sobre la directora he sabido que utiliza el hiperrealismo en las imágenes que filma y algun que otro dato sobre su filmografía. Prometo hurgar en la vida y obra de esta autora, que a vuela teclado me parece interesante.
De todas formas, servidor de ustedes piensa que la obra de este genio literario es eso, literario ,y su obra es para leerla y no para ser vista. Las últimas lineas de su obra magna dicen así: "Si me diese siquiera el tiempo suficiente para realizar mi obra, lo primero que haría sería describir en ella a los hombres ocupando un lugar sumamente grande (aunque para ello hubieran de parecer seres monstruosos), comparado con el muy restringido que se les asigna en el espacio, un lugar, por el contrario, prolongado sin límite en el Tiempo, puesto que, como gigantes sumergidos en los años, lindan simultáneamente con épocas tan distantes, entre las cuales vinieron a situarse tantos días".

Y eso fue lo que hizo magníficamente Marcel Proust, describir a seres humanos de su entorno y de su tiempo, que en esencia son los mismos, con diferentes ropajes, de los que medran en nuestra sociedad y en nuestra política.

LA BESTIA SURREALISTA

"Entonces el mercader se puso de rodillas y, juntando las manos dijo a la Bestia:
- Monseñor, perdonadme ; no creia ofenderos cogiendo unas rosas para una de mis hijas, que me las había pedido.
- No me llamo Monseñor, - respondió el monstruo- sino la Bestia. Y no me gustan los cumplidos; prefiero la gente que dice lo que piensa; así es que no creais que vuestros halagos van a conmoverme. Pero como me habeis dicho que teneis hijas, os perdono a condición de que una de ellas venga voluntariamente a morir en lugar vuestro; no razoneis, partid; y si vuestras hijas rehúsan morir por vos, juradme que volvereis en tres meses"

Con ese diálogo entre la Bestia (Jean Marais) y Marcel André queda sellado el compromiso que dará lugar a la fantástica pesadilla que vivirá la Bella ( Josette Day) en la tétrica y extraña mansión del monstruo.

"La Belle et la Bête" es un maravilloso y creo que inigualable film , filmado por el poeta, artista y cineasta Jean Cocteau. El artista se inspiró en un relato de madame Leprince de Beaumont donde se narra el secuestro de una joven bellísima, mediante chantaje, por parte de un ser monstruoso que habita un tenebroso castillo.
Poco a poco, la joven desarrolla una especie de "síndrome de Estocolmo" por su raptor llegando al punto en que se enamora de él sin importarle el aspecto terrible. Ella ha dejado de sentir miedo por él, e incluso compasión, para sentir solo amor.

"- No, mi querida Bestia, no morireis- le dice Bella- Vivireis para convertiros en mi esposo. Desde este momento os concedo mi mano y juro que seré solo vuestra. Creia sentir por vos más que amistad, pero el dolor que siento me hace ver que no podría vivir sin veros."

Ese amor ciego tendrá su compensación porque en ese momento se rompe el hechizo y la Bestia se convierte en el Príncipe Azul, para felicidad de ambos.

La aparente ingenuidad del cuento se convierte en manos de Cocteau en un despliegue visual inspirado nada menos que en las famosas pinturas de Vermeer y en los grabados inigualables de Gustavo Doré.
Naturalmente Cocteau derrocha su pensamiento surrealista a raudales. La escena de los candelabros humanos, copiada hasta la saciedad, ha quedado como un hito en la imaginería cinematográfica. No es menos importante el raudal freudiano como los temores colectivos y la sangre como elemento erótico.

Jean Maurice Eugène Clément Cocteau fue un hombre clave en el movimiento surrealista francés. Autor de innumerables poemas, novelas, obras teatrales y estudios críticos. Aparte de estas actividades literarias fue un pintor aceptable, decorador, promotor de boxeo, periodista y celebridad en todo su tiempo. Y aquí viene la pregunta ¿Fue un realizador cinematográfico?...El mismo se consideraba un simple amateur del cine. Sin embargo ha legado a la historia del cine tres obras que nadie discute: "La sangre de un poeta", "La Bella y la Bestia" y "Orfeo".

Para no detenerme excesivamente en su biografía daré unas breves pinceladas. Su familia era de cierta clase. Su padre abogado y pintor destacado se suicidó cuando Cocteau tenía solo nueve años. Desde los quince deja su hogar y se dedica a lo que verdaderamente le apasionaba, la literatura.
Durante la Gran Guerra fue conductor de ambulancia de la Cruz Roja y por entonces conoce a Picasso, Apollinaire y Modigliani y otros artistas con los que colaboraría en el futuro. También estuvo relacionado con Serguei Diaghilev para quien compuso unos decorados en colaboración con Picasso.
En 1918 comienza una relación amistosa, profesional y sentimental con el poeta francés Raymond Radiguet, que muere prematuramente en 1923. Durante un tiempo, y según el propio Cocteau, se aficiona al opio, pero también segun sus propias palabras "fue una experiencia temporal".
En 1930 sostiene una relación con la princesa Natalie Paley, hija del gran duque Romanov. Ella estaba casada con Lucien Lelon. De las relaciones con Cocteau quedó embarazada pero abortó. Aquello puso fin a las relaciones del poeta con la duquesa.
En esta tesitura conoce al actor Jean Marais con el que sostiene una larga relación sentimental y artística ya que el actor fue el protagonista de cuatro de sus más famosas películas, entre ellas, la que comentamos, "La Bella y la Bestia"

En este film,Cocteau ensaya un nuevo nivel de fusión artística. Combina la narrativa mítica, la poesía visual. El autor declaró que los símbolos del escrito original eran absolutamente gemelos a los suyos.
A lo largo del rodaje tuvo serias diferencias con el director de fotografía. Cocteau era especialmente quisquilloso en los ángulos y en los contrastes de luz. Hay unos comentarios sabrosos en el diario del autor sobre su director de fotografía al que en ocasiones tachaba de "artista inútil". La música corrió a cargo de Georges Auris y los decorados y la ambientación fueron de Christian Bérard y Lucien Carrè.

Todos sabemos que el mito de la "Bella y la Bestia" ha sido y seguramente seguirá siendo tema recurrente en el cine, pero la mirada de Cocteau sobre los dos personajes se adentra en los abismos más oscuros del sueño y su cámara, como un bisturí, se adentra en las regiones donde las pesadillas están alumbradas por esas inquietantes antorchas del corredor.

LA CAIDA DE LA GRAN GALAXIA

Me vais a perdonar, especialmente tú amigo Josep, que mezcle las churras con las merinas y haga un pequeño paréntesis para glosar al humilde que humilla al fuerte. Es toda una historia cinematográfica, aunque sea futbolera.
Unos chiquitos de barrio, que no tienen una plantilla para dos eventos, se enfrentan al gigante galáctico y con solo ilusión, empuje, y deportividad (ojo a esta palabra olvidada) le descolocan y lo descuelgan de la Copa del Rey.
Amigos míos ¡qué poco vale el dinero (los cientos de millones de las antiguas pesetas) si no eres un humilde luchador que entusiasme a sus gentes.
El Madrid se merece lo que le ha pasado. Anoche veía la expresión del público seguidor y veía las caras ilusionadas de los deportivos alcorconenses y en el fondo de mi corazón daba gracias de que el verdadero deporte fuera lo más importante para los muchachos vencedores.
Aunque se que muchos de vosotros habreis visto el partido no está de más ver este trozito. Vuelvo a pedir perdón, pero la ocasión y el evento venían al pelo

Y mañana hablaremos de cine.

EL TROPIEZO Y LA CAIDA DE SAMUEL BRONSTON EN MADRID

Me hubiera gustado encabezar este post con la majestuosa obertura de Dimitri Tionkin, premiada con el globo de oro a la mejor banda sonora. y nominada para el oscar. Es una verdadera delicia para los melómanos y enriquece las imágenes del film "La Caida del Imperio Romano" un verdadero peplum de culto, que no ha perdido ninguna de las cualidades que el público de la època no supo ver.
Esta película ha sido colocada en el armario de las películas perdidas a pesar de tener méritos más que suficientes para competir con otras películas-peplum mucho más conocidas y promocionadas como por ejemplo Ben-Hur, Espartaco o Cleopatra.
Sin ir más lejos Ridley Scott no hizo otra cosa sino copiar el tema , en su aclamada y vitoreada "Gladiator" (ojo, no todo es malo en esta peli).
Me vais a permitir alargarme más de lo debido en esta maravillosa película. No se si vais a aguantarme pero prometo ser lo más claro y conciso que pueda.

"La caida del Imperio Romano" es sinónimo en la historia del cine con el derrumbe del género épico y para el Imperio Bronston su desaparición total. Por aquellas fechas de 1964 el género, llamémoslo peplum, había gozado de muy buena salud, sobretodo por las grandes producciones que se filmaron en los cuarenta y sobretodo en los cincuenta. La figura más prominente del género había sido sin duda Cecil B. de Mille, pero a éste le sucedió un gran productor cuyo nombre merece un lugar destacado en la historia del cine: Samuel Bronston.

Este hombre nace en 1904 en Bessarabia (por aquellas fechas parte de Rusia). El era uno de los nueve chicos de una acomodada familia. Los padres de Samuel dieron a todos sus hijos carreras artísticas, y él concretamente se licenció en ciencias políticas en la Sorbona de París, aunque también cursó estudios de arte y de música. De hecho ocupaba el puesto de primer flautista en la Orquesta Sinfónica de París. Pero Samuel se inclinó definitivamente por el cine
Antes de la Segunda Guerra Mundial aterriza en Hollywood donde trabaja para la MGM y la United Artists. Allí hace sus primeros contactos con personalidades del cine europeo. A Samuel no le gustaba demasiado la capital de LA. y decide volver al continente europeo. En Italia pasa algunos años filmando todos los tesoros de la capital y del Vaticano. Juguetea con diversas industrias europeas, pero cuando produce la película "John Paul Jones"en 1959 se enamora definitivamente de España y establece su cuartel general como productor en Madrid.
Con cuatro millones de dólares para futuras producciones alquila dos de los más grandes estudios de Chamartin y Sevilla y con la marca Samuel Bronston Produccions se embarca en la aventura de su vida.
La génesis de "La caida del Imperio Romano" está envuelta en cierta leyenda. El propio Anthony Mann, quien sería el director del film, cuenta él mismo que un día caminando por Picadilly Road se detuvo en la librería Hatchards y vió en el escaparate la edición abreviada de Oxford de la monumental obra de Gibbon "Historia de la decadencia y caida del Imperio Romano". Mann recién había acabado de filmar "El Cid" y se dijo para sí "Samuel y yo podríamos hacer un film interesante con este material". Parece ser, que esta idea se materializó y el propio Mann habló con los guionistas Ben Barzman y Basilio Franchina para que elaboraran una idea concreta para presentarla a Bronston.
Sin embargo el propio Bronston da otra versión. La idea partió del propio productor en el sesenta cuando hablando con su jefe de guionistas Philip Yordan le presentó un borrador de unas cuantas páginas en el que pergueñaba una historia de guerras, traiciones y tragedias en el marco del reinado del emperador romano Marco Aurelio.
Yordan y sus dos coguionistas Barzman y Franchina completaron el guión con la colaboración y guia del historiador y filósofo Dr. Will Durant.

Como quiera que sea a principios de Octubre de 1962 se comenzaron las obras para el set del Foro de Roma en unos terrenos propiedad del Marqués de Villaverde en Las Matas, a unos diez kilómetros de Madrid. El Foro comprendía el Templo de Júpiter, el Templo de Cástor y Pólux, y el edificio de el Senado así como la columna Trajana. En las Matas se construyó así mismo el poblado bárbaro, la Via Apia y las Puertas de Roma.
El casting comenzó a elaborarse en 1962. Sophia Loren fue contratada por un millón de dólares. Stephen Boyd aceptó el papel de Livius tras ser éste rechazado por Charlton Heston. Alec Guinness confirmó su colaboración en el papel del emperador Marco Aurelio (este mismo papel lo asumió Richard Harris en Gladiator). Un joven, que por entonces interpretaba a Becket en los escenarios londinenses llamado Christopher Plummer fue contratado para el papel de Cómodo (en un principio ese papel lo iba a interpretar Richard Harris precisamente). Otros grandes interpretes , tales como , James Mason, Mel Ferrer, Omar Sharif y Finlay Currie, se unieron al proyecto y recalaron en Madrid.

El 18 de Enero de 1963 se dió la primera vuelta de manivela en los montes de la Sierra de Guadarrama, en las cercanías de Segovia. Se rodaba la campaña de Marco Aurelio contra los Bárbaros. Aquel invierno y en aquel lugar la temperatura frisaba los menos 17 grados. La nieve y el frío eran absolutamente genuinos y tanto la tropa de extras como el personal que se movía tras la cámara sufrieron las consecuencias de aquellas temperaturas tan bajas.
Ya en primavera Mann, una vez terminada la construcción de el Foro, se traslada a Las Matas para rodar la batalla entre Roma y Persia en una llanura próxima a Manzanares del Real. . Sagunto se usó como Rávena y el Lago Santillana para algunos exteriores. También se rodaron varias escenas en Cinecitta. Tras ciento cuarenta y tres dias, el film se da por terminado enJulio de aquel año . Unas fuentes dan como coste total 20 millones de dólares y otras 16. Como quiera que se, aquel número de millones era una barbaridad para aquellos años.

¿Qué es lo primero que diferencia "La caída" de otros films de similar tema?....Que no vemos absolutamente a ningún cristiano, a pesar de la supuesta persecución a la que fue sometida esta religión en tiempos de Marco Aurelio. Fue todo un detalle que aporta seriedad y rigor histórico al guión, que sigue las pautas del sexto volumen de Gibbon. Este, en su magnífico fresco literario dice: "El término "poeta" casi se había olvidado y el de "orador" lo habían usurpado los sofistas. Una nube de críticos , compiladores y comentaristas oscurecían el rostro del saber y a la decadencia del genio pronto siguió la corrupción del gusto".

El guión de Yordan, Barzman y Franchina es excelente pero se desvía del hecho histórico. La muerte de Marco Aurelio por envenenamiento fue un rumor nunca confirmado por las fuentes históricas. Lo único cierto es que sucumbió a la epidemia de la peste muriendo lejos de Roma, en lo que actualmente es la ciudad de Viena.
Lucila, la hermana de Cómodo fue ejecutada por conspiración y no sobrevivió a su hermano. La muerte de Cómodo fue propiciada por su favorita Marcia que aprovechando la embriaguez de su amante vertió un poderoso veneno en la copa. Como el veneno no surtia efecto Marcia llamó a un joven y fuerte luchador, quien estranguló al emperador.

La música compuesta por Dimitri Tiomkin es uno de los muchos valores de este film. El compositor escribió un "score" de nada más y nada menos 150 minutos, toda una sinfonía para una gran orquesta con un importante papel del órgano. La banda sonora fue grabada en los estudios Shepperton y producida por George Korngold

A pesar del título sabemos que la "caída del imperio romano" no fue exactamente en las fechas en las que transcurre el film (180-192 de nuestra era). El film se centra en los últimos días del reinado del emperador filósofo Marco Aurelio. La película se abre con la campaña del emperador en tierras germánicas en las fronteras del Danubio. Marco convoca a todos los gobernadores de sus provincias para presentarles a Gaius Metellus Livius (un personaje ficticio) como su heredero y sucesor (era costumbre de los Antoninos no ceder los poderes del estado a sus propios hijos, sino al más capaz de los hombres para ocupar el cargo de emperador)

Livio está enamorado de Lucila, la hija de Marco Aurelio, pero éste cree que ella debe desposarse con el rey Sohamus de Armenia, para cimentar una alianza que sostenga en sus fronteras a los hostiles partos. Livio acata la voluntad del emperador por encima de sus propios sentimientos.

Entre tanto,Cómodo, el hijo del emperador se enfurece al conocer la decisión de su padre y logra torcer mediante traición, engaño y asesinato coronarse emperador de Roma. Livio no tiene más remedio que aceptar la nueva situación.
Cómodo sigue una política contraria a la de su padre Marco Aurelio. La guerra , la rebelión de las tribus sometidas y el desastre acaban con el frívolo y depravado Cómodo que muere a manos de Livio. Los generales del ejercito subastan entre ellos el trono de los emperadores. Mientras en el foro se celebran las Saturnales y Livia eleva sus manos desnudas a los cielos una voz dice: "Este fue el principio del fin del imperio de Roma. Una gran civilización que nadie pudo conquistar hasta que ella misma fue carcomida desde dentro."

Aunque el estreno en las más importantes capitales fue todo un suceso, a partir de la primera semana la recaudación de taquillas fue disminuyendo a niveles preocupantes. El total de recaudación no llegó a financiar el coste de la película. Esto ocasionó la ruina de los Estudios Bronston en Madrid. Durante un tiempo, el esqueleto de los decorados del Foro Romano dieron fe del auge y caida del imperio Bronston.

CUANDO LA MISIONERA ENCONTRO AL BORRACHO Y AMBOS SE ENTENDIERON

Hace poco, como consecuencia de la lectura de una biografía sobre el director John Huston he dedicado toda una velada a visionar dos películas que pueden superponerse. Una es la que cuenta la historia: "La Reina de Africa", la otra los avatares de los que intervinieron en esa película: "Cazador blanco, corazón negro"

"La Reina de Africa" más que una gran película, que lo es, ha pasado a la Historia del Cine como una gran leyenda donde se alinearon cuatro estrellas (aquí viene al pelo la metáfora política de Leire Pajin) Hepburn, Bogart, Bacall y Huston. Probablemente para aquel que haya leído el apasionado libro escrito por la Hepburn y titulado en inglés: "The making of the African Queen or How I went to Africa with Bogart, Bacall and Huston and almost lost muy mind" comprenderá el porqué de la actriz en escoger este inmenso y clarificador título que en España se sustituyó por el escueto: "El rodaje de la Reina de Africa".

Peter Viertel escribió algo similar, pero mezclando realidad y ficción. El resultado fué la novela que Clint Eastwood utilizó para su película del mismo título: "Cazador blanco, corazón negro".

La historia que se cuenta en "La reina de Africa" es la de una misionera solterona y remilgada (Katherine Hepburn) llamada Rose y de Charlie Allnut (Bogart) un hombre maduro, de pelo en pecho, socarrón y bebedor, fumador empedernido y dueño de una barco miserable al que llama pomposamente "La REina de Africa" y que se dedica al transporte de mercancías a través de los vericuetos del Africa oriental alemana en el año 1914.

Cuando Charlie llega a la misión le advierte a Rose y a su hermano que es peligroso estar tan alejados de la civilizacion y al mismo tiempo les comunica que ha estallado una guerra en Europa. El reverendo Samuel (Robert Morley) teme por su condición de inglés en un territorio alemán, pero Rose le convence que Dios no olvidará a sus siervos y por esa razón no les sucederá nada.
A partir de ahí comienzan toda una serie de vicisitudes que al final unirán a los dos protagonistas, para bien y para mal.


Huston había demostrado sus agallas en películas con sello indiscutible de calidad dentro de la historia del cine, por lo que nadie osaba ponerle el punto al director sobre el control de sus películas, salvo Spiegel, que compartía muchos puntos de vista con Huston. Este se encontraba en una època difícil. Se sentía herido porque le habían ninguneano con la mutilación brutal de su última película: "The Red Badge of Courage", cuya duración se redujo a 65 ridículos minutos de metraje. Por otra parte el panorama de Hollywood no era excesivamente divertido ya que la sombra alargada de la caza de brujas de McCarthy y Nixon buscaba presas con furia macabea. Naturalmente Huston estaban en el punto de mira de los dos coyotes, pero el director fué mucho más listo y nunca consiguieron sentarlo en el banquillo, a pesar de que las ideas del hombre atufaban a izquierdismo liberal.
En esta tesitura se comienzan a levantar las primeras bazas para llevar al cine la novela "La Reina de Africa", escrita por C.S. Forrester en 1935. Huston decidió que el guión debía de escribirlo James Agee, quien figura en los títulos de crédito junto con el propio Huston. Este , al margen de sus grandes cualidades artísticas, era un vividor de mucho cuidado. El lugar donde se recluyeron él y Agee, donde se suponía que solo escribirían el guión era un club privado maravilloso, donde había un restaurante de primera, pistas para jugar al tenis, caballerizas y una enorme piscina. Agee estaba tan encantado que se le caía la baba.

Cuando se zambulleron en el trabajo de la escritura, ambos se encontraron con un problema. No tenían idea de qué final le darían a la película. De hecho C.S. Forrester, el novelista, había publicado dos finales diferentes, uno para la edición americana y otro para la inglesa. Ni a Huston ni a Agee les satisfaccía ninguno de los dos. En la película también fluctuaron dos finales. En uno de ellos "La Reina de Africa" mandaba al diablo el navío alemán. En el segundo final los dos protagonistas eran apresados y ajusticiados, después de pronunciar sus votos matrimoniales.
Huston se decantó por el final feliz, aunque la Hepburn no estuvo de acuerdo con ello y dijo: "Es una película maravillosa, pero el final es una mierda".

Los prologómenos del rodaje parecían sostener el proyecto con pinzas. La Hepburn ni siquiera confiaba que hubiera dinero suficiente para terminar la película. Para colmo las relaciones entre la Hepburn y Huston no comenzaron con buen pié. Ella consideraba que el director era un gran petulante y no entendía cómo le gustaba tanto la caza, cuando no pasaba de ser un principiante en la materia. Esta faceta de Huston la reflejó Eastwood en su film. La sangre no llegó al río y actriz y director se hicieron muy amigos. En el fondo tenían muchas cosas en común.

El protagonista masculino de "La Reina de Africa" no podía ser otro que Bogart. De la mano de Huston el actor protagonizó un título mítico "El halcón maltés" que elevó a Bogart a la primera categoría. Pero en las fechas de "La Reina de Africa", Bogart se encontraba en sus horas más bajas, así que el amigo Huston le ofreció el mejor papel que podía darle. El papel de perdedor para un perdedor rodante.
Las relaciones entre los dos hombres tampoco fueron demasiado felices. Nada en aquel rodaje fué fácil. En la escena de las sanguijuelas, que se rodó en un estudio del Reino Unido, se iban a utilizar bichos de verdad, pero el actor se negó en redondo. Se armó un verdadero pleito. Al final hubo que utilizar sanguijuelas de goma.
Donde si hubo una tremenda química fue entre los dos protagonistas. Bogart acabó admirando a su compañera por el buen humor que irradiaba siempre aunque estuviera comida por las hormigas: "¿Cómo es posible que este mujer aguante, si tiene hormigas hasta en las bragas", dicen que dijo.

El terrible rodaje tuvo al final su compensación. "La Reina de Africa" recibió cuatro nominaciones, pero solo Bogart se alzó con la estatuilla al mejor actor de aquel año., merecidamente, por cierto. Las palabras que el actor pronunció fueron "Entre el centro de Africa y este escenario hay una gran distancia, pero os juro que aquí se está muchísimo mejor".


Como he dicho todas las vicisitudes de este rodaje están recogidas en el libro del Katherine Hepburn y de forma pseudo ficticia en el libro de Viertel. Tengo muy buen recuerdo de la primera vez que ví esta pelicula. Fue en la Ciudad Condal, en el cine Royal, un local del Paseo de Gracia, que proyectaba películas en V.O. ¡Tiempos gloriosos!.