LA REINA A LA QUE SE LE CAYERON LAS BRAGAS

Haciendo caso del compañero Marcbranches, quien me aseguró que este blog no era visitado por niños, me he atrevido a titularlo de la forma que habeis podido comprobar. Es una verdadera pena que la escena a la que aludo no haya podido encontrarla en el yutubo, porque os puedo asegurar que yo me despanzurré de risa. De cualquier forma podeis ir a la mula y seguro que allí encontrareis esta verdadera joya del cine mudo: "Queen Kelly", pues no es sino de esta película de lo que os hablaré a continuación.

Seguro que todos ustedes sabeis la historia de este film maldito de Von Stroheim y la masacre a la que fué reducido por obra y gracia del "católico" Daddy Kennedy, que paladinamente defendía las buenas costumbres en público y practicaba sus muchos vicios en privado.

Si teneis ocasión de ver lo que queda de esta película podreis comprobar que tras la escena que muestro, plena de sadismo, masoquismo y demás, la "pobre" Gloria Swanson deambula por las calles heladas, apaleada y sin novio. Se asoma a un puente y se tira por él. Bien, en ese punto, queridos míos, terminaba la pseudopelícula, y digo pseudo porque aquello era solo un fragmento. Al film le quedaban pendientes otras dos partes.
El 24 de Noviembre de 1931 se estrenaba esa chapuza en Europa y en América Latina con escenas añadidas por Gregg Toland bajo instrucciones de la propia Swanson, dueña entonces de los derechos del film.

Afortunadamente, en 1985 la Kino Internacional pudo, siguiendo el guión original de Stroheim, restaurar el film, porque Gloria-Kelly no se suicidaba arrepentida de haberle puesto los cuernos a Regina V, no, nada de eso. Se marchaba nada menos que a Africa donde se convirtía en dueña de un burdel y donde se hacía llamar "Queen Kelly". Hay una escena magistral que transcurre en el cuarto donde yace moribunda la tía de de Kelly que pone los pelos de punta.

De la tercera parte sólo se conservan fotos. En torno a ellas y gracias al guión se ha conseguido terminar la película con cierta dignidad. Verla, aunque sea mutilada, es un enorme goce para el cinéfilo, pero al mismo tiempo nos indigna que un gran director (aunque fuera un "maldito y jodido teutón), viera truncada su vida cinematográfica de forma tan canallesca.
Luego vendría "Sunset Boulevard" donde Wilder pondría las cosas en su lugar. Gocen ahora con esta escena impagable, y después háganme caso y vean toda la película, incluída la escena de la caída de bragas.

EL GATO MARCADO CON X

Quería iniciar este post con un corto del "yutube", pero se conoce que la maniobra es tan complicada o yo soy tan torpe con estos cacharros que me ha sido imposible colocar en acción al gato más descarado de la pantalla

Robert Crumb, padre del felino, es originario de Philadelphia y fué fundador del movimiento del "comix underground". El más celebrado de sus comic y por el que se le reconoce en los ámbitos comiqueros es "Keep on Truckin", que pasa por ser el evangelio dibujado de la cultura pop de los setenta.

Fritz the Cat fué uno de los primeros caracteres dibujados por Crumb y el primero que vió impreso en una publicación profesional. Un crítico saludó a la criatura como "una suerte de Gato Felix, puesto al día, con reminiscencias de Chaplin, Cándido y Don Quijote".
En principio, Fritz era una serie de dibujos que Crumb y su hermano Charles dibujaron cuando eran niños. Desde las primeras tiras se nos muestra el carácter desenfadado y cachondo del gato. Por ejemplo en la primera historia publicada en la revista "Help" en enero de 1965 Fritz lleva a su apartamento a una gatita y nada más cerrar la puerta comienza a desnudarla, a meterla mano y por fin a follarla. Despues de publicar esta "inmoralidad" el propio editor le comentó a Crumb que si despues de editar aquello no era arrestado sería un milagro.

Crumb era un hombre retraído y acomplejado. Durante muchos años no tuvo relación personal alguna con amigos o con chicas así pues, su escape era dibujar aquello de lo que carecía. Las aventuras de Fritz fueron publicadas en magazines y tebeos como "Cavalier", "Fug" y "The People's Comics" durante varios años.

La idea de hacer una película sobre el Gato Fritz la tuvo el productor Steve Krantz, quien descubrió las tiras del comic. Poco después Krantz y el realizador Ralph Bakshi se pusieron en contacto con Crumb y le pagaron el viaje desde San Francisco a Nueva York para hablar acerca de los derechos del personaje. Crumb recibió 12.500 dólares de la època y un porcentaje sobre los beneficios de la exhibición de la película. El dibujante negó que él firmara acuerdo alguno, pero lo cierto es que jamás interpuso demanda por dicho motivo.

En 1972 se estrenó la película, pero la junta de censores le plantificaron una enorme X, algo insólito en una película de dibujos animados. El país estaba sorprendido ante hecho tan insólito y los niños preguntaban a sus embarazados padres porqué ellos no podían ver un cartoon.

Aquel mismo año Crumb, durante una visita a Los Angeles, en compañía de sus compañeros, todos ellos del movimiento comix underground, entraron en una sala para ver la película. Al dibujante y padre de la criatura no le gustó. " Me han cambiado el sentido del personaje de una forma desagradable". En tal sentido reclamó que su nombre no apareciese en los títulos de credito.

Aparte de estas objeciones anecdóticas, lo cierto fue que "Fritz the Cat" fue todo un éxito en la pantalla grande y fué el primer film independiente que hizo más de 100 millones, aupando a su director Ralph Bakshi. Más tarde, en 1974 se filmó una secuela titulada "Las Nueve Vidas de Fritz the Cat"



Ahora sí he podido colar el video!! Esta secuela fue dirigida por Robert Taylor , escrita por él mismo y los guionistas Fred Halliday y Eric Monte.
Fué tal el cabreo que agarró Crumb con el gato cinematográfico que se planteó seriamente la idea de asesinar al felino para que no hubiera más secuelas cinematográficas. Publico una historia titulada "Fritz the Cat "Superstar". En esta aventura Fritz se perfila como un ser arrogante y pomposo, tal como una glamourosa estrella hollywoodense, que es explotado por un par de productores que se aprovechan de el. Naturalmente los productores son Ralph Bakshi (caricaturizado como un loro) y Steve Krantz (un cerdo con gafas de sol). El agente de Fritz es caracterizado como un zorro.
En esta última aventura de Fritz (que nunca se llevó a la pantalla), vemos como el gato es asesinado por una neurótica ex-amante.
Crumb, nunca volvió a dibujar ninguna otra historieta de Fritz.


Como he dicho Ralph Bakshi se benefició, en mi opinión, merecidamente con el gato jodedor. En 1978 dirige la primera versión, en dibujos animados, del célebre libro de Tolkien, "El Señor de los Anillos". Los derechos de la novela estaban en poder de la Walt Disney Co., pero el estudio se desentendió por la dificultad de llevar la novela a buen puerto cinematográfico. Bakshi, que ya estaba curtido en estas lides se atrevió y dió el primer paso , generosamente recompensado, la película, cuyo coste fué de 4 millones de dólares produjo más de 30... pero eso es otra historia de la que hablaremos en otro post.

ROBERT EROICA DUPEA, TODO UN TIPO

Bobby Eroica Dupea es un personaje que pertenece a la memoria colectiva de todos los cinéfilos del mundo entero. Hoy podremos criticarle a Jack Nicholson su histrionismo y su condescendencia a escoger determinados papeles, pero siempre le estaremos eternamente reconocidos por haber interpretado el papel de Dupea en la maravillosa "Five Easy Pieces", conocida en España por un título más bien parcheado, "Mi vida es mi vida".

El reconocimiento más justo para el film de Bob Rafelson le vino en 2000 cuando fué seleccionado por el United States National Film Registry de la Library of Congress para ser preservado con la categoría de "por sus valores históricos, culturales y estèticos".

En 1971 mi inglés era tan pobre e insuficiente que era incapaz de entender toda una película o de leer un libro, pero mis amigos John y Nigel insistieron en invitarme a un cine del West End donde acababa de estrenarse "Five Easy Pieces". El público, en su mayoría joven, asistió pasmado a la proyección. Reían, en ocasiones lloraban . Yo había captado algo, pero obviamente me había quedado como un ridículo jilipoyas
Tiempo después tuve ocasión de disfrutar de todo el film y me hice igualmente con el guión original.

En honor a la verdad hay que reconocer que Bobby Eroica (apellido inspirado en la 3ª de Bethoveen) es un personaje de los setenta, y cualquiera que se asome al film tiene que asumir el espíritu de aquellos años. Se puede comprender que muchos espectadores actuales pasen del asunto, pero nadie, con un mínimo de sensibilidad cinematográfica puede quedarse indiferente ante un guión magistral.

Hay una escena que ha pasado, por derecho propio, a los anales de momentos estelares del cine.




Tres chicas y Bobby se encuentran en un típico restaurante americano de carretera. Las chicas han hecho su pedido a la camarera y ésta espera impaciente a que Bobby decida.
Este mira el menú atentamente y sin levantar la vista del mismo pide
- Una tortilla. Sin acompañamiento de patatas pero sí de tomates y unas tostadas en vez de bollitos.

La camarera señala con el lápiz algo escrito en el menù al tiempo que dice.
- Nada de cambios.
- ¿Qué quiere decir, que no tiene tomates?
- Tenemos tomates (la camarera no se inmuta)
- Pero yo no puedo pedirlos ¿es eso lo que quiere decir?
- Solo lo que hay en el menú (nuevamente hace una indicación con el lápiz) Un numero dos: tortilla, acompañada de patatas y bollitos.
- Se lo que viene con la tortilla- Bobby comienza a irritarse- pero no es eso lo que quiero.
- Volveré cuando se decida- la camarera hace ademàn de marcharse.
- Espere- dice Bobby- He cambiado de opinión. Quiero la tortilla. Olvídese de los tomates. No ponga las patatas y me trae unas tostas con una taza de café.
- Lo siento- sigue impasible la camarera- no puedo ordenar tostas. Puedo traerle un pastelillo o un croissant y la taza de café.
- ¿Qué quiere decir con que no puede ordenar tostas, acaso no sirven sandwiches?
- ¿Quiere hablar con el encargado? - persiste la hierática camarera.
Una de las chicas interviene para calmar la creciente irritación de Bobby.
- Cierra la boca-exclama Bobby y dirigiéndose a la camarera. Tienen pan, ¿verdad?, y alguna clase de tostador.
- Yo no escribo las reglas, señor.
- OK, se lo voy a poner fácil. Traigame la tortilla y un sandwich de tostas con ensalada de pollo. sin mantequilla, sin mayonesa y sin lechuga y una taza de café.
La camarera apunta la orden al tiempo que la repite de forma sarcástica.
- ¿Algo más? - pregunta desafiante.
- Una cosa más- dice Bobby- Guarde el pollo, traigame las tostas, ponga en cuenta el sandwich y así no romperá ninguna regla.
La camarera le mira desafiante.
- Usted quiere que le guarde el pollo?
- Sí- contesta Bobby con hipócrita sonrisa- quiero que me lo guarde entre sus rodillas.
Todos sueltan la carcajada.
La camarera señala un cartel que dice "Derecho de Admisión" al tiempo que dice
- Usted tiene que marcharse. No tengo por qué aguantar su falta de compostura y su sarcasmo.
Bobby sonríe con aparente candidez
- Este es mi derecho
Y con un fuerte ademán barre con todo lo que hay en la mesa arrojándolo al suelo violentamente.

"Five Easy Pieces" está trufada de diálogos memorables, pero por encima de todo está la asombrosa actuación de Jack Nicholson. El actor no hace el clásico héroe, ni es el romántico del drama. Es un tipo que no encaja con nadie ni se encuentra a gusto con nadie, salvo cuando en un atasco de tráfico salta desde su coche a una camioneta de mundanza donde hay un piano. En mitad del caos salta a la camioneta y se pone a tocar el piano con furia. Allí en mitad de torbellino expresa con la música su inconformismo salvaje.

El film comienza en unos yacimientos petrolíferos de California. Bobby vive con Rayette(Karen Black), una camarera con cierto aire vulgar que está loca por Bobby y se presta a cualquier cosa con tal de no perderlo.
Cuando detienen a su amigo Elton(Billy Green Bush) Bobby y Rayette se desplazan desde California hasta una isla frente a Washigton, donde vive la acomodada familia de Bobby. Allí se juntará nuevamente con su padre, a quien no ve en años. En el nuevo ambiente conoce a Catherine, una intèrprete musical con quien hace el amor.
El enfrentamiento de la proletaria y vulgar Rayette con la empingorotada familia de Bobby da lugar a escenas memorables que pintan perfectamente el enfrentamiento de clases en la América de Nixon.
Pero una de las escenas cumbres y donde Nicholson está que se pasa es cuando frente a su padre, que yace en silla de ruedas trata de explicarle cómo ha sido su vida. Un hijo que siempre ha sido un incomprendido por un padre, quien le reprochaba su poca habilidad con el piano. Al final de la escena Nicholson se quiebra en un llanto, donde fluyen todas sus frustraciones y remordimientos.

Numerosos cineastas y críticos han coincidido en la importancia que tuvo este film en la concepción del cine de los setenta. Lars Von Trier, Joel y Ethan Coen e Ingmar Bergman, entro otros han expresado su admiración por "Five Easy Pieces".

Y llegados a este punto ¿cuales son las "Cinco Piezas Fáciles"....Fáciles no lo son en absoluto ya que se tratan de: La Fantasía, Opus 49 de Chopin, que Bobby interpreta al piano en la escena del embotellamiento; la Fantasía y Fuga de Bach, interpretada por Partita (hermana de Bobby) en un estudio de grabación e interpretada con Bobby a dos manos cuando ambos hermanos se reencuentran; el Concierto K271 de Mozart, que lo interpretan Carl Fidelio (hermano de Bobby)y Catherine cuando Bobby llega a la casa de su padre; el Preludio de Chopin, Opus 28 interpretado a dos manos por Bobby y Catherine; y finalmente la Fantasía K397 de Mozart.

No sé si esta película está editada en DVD , pero si no la consiguen hay otros medios para hacerse con ella. No lo duden y veánla....eso sí, como decía al principio, con el espíritu de los setenta.

CUANDO CORMAN ENCONTRO A POE Y TROPEZO CON VINCENT

Ayer celebramos una efemérides, un cumpleaños muy especial. Hace doscientos años nacía en Boston Edgar Allan Poe, probablemente uno de los escritores más imaginativos y sensibles de la literatura universal. En este mismo blog, mi compañera Lola sostuvo una "entrevista" con el autor de "El Cuervo", de manera que mi intención en este post es sencillamente recordar la efemérides y apuntar la relación que el escritor tuvo con el cine de la mano del artesano Roger Corman y del inmenso actor Vincent Price.

Poe pertenece a esa especie de "poetas extraños", como Blake o Baudelaire, moldeadores de lo íntimo y misterioso que bucearon por las aguas procelosas de lo terrorífico y sombrío, deseosos de vivir con una intensidad superior al resto de los mortales aun a costa de cualquier medio.
Las narraciones del americano, las mal llamadas historias terroríficas, no buscan el escalofrío del lector (aunque muchos de nosotros hayamos temblado con ellas), nos muestran el terror tal cual, como hizo Goya en sus tenebrosos grabados. Es la poesía negra de la muerte con la que Poe nos taladra el alma.

El autor de Leonora nos ofrece sus distorsionadas experiencias, sus pesadillas de opio, todo un repertorio de gigantescos latidos, que son realidades vívidas, intensas y extremas, de las que quiere hacernos partícipe.
La madurez del poeta coincide con la de su mayor adicción a la droga y cuando sufre con mayor frecuencia sus crisis o colapsos nerviosos. Son los años en los que deja notar con mayor intensidad su genio sádico y necrofílico en obras como "Ligeia" o "La Caída de la Casa Usher".

La gran pasión de Poe había sido siempre la de dirigir una revista literaria propia, pero ya fuera por su nula capacidad económica o por otras circunstancias adversas tuvo que conformarse con prestar sus colaboración a Burton's por un sueldo mísero. No obstante este nuevo dispendio económico le permitió trasladar a Virginia, su esposa, y a la madre de ésta a un nuevo hogar medianamente decente y confortable.
Edgar siempre fué lo que vulgarmente conocemos como "un cenizo" y cuando parecía que todo se mecía en una suave armonía, a pesar de las estrecheces, ocurrió un hecho realmente trágico.

Corría el mes de enero de 1842. El poeta había reunido en su hogar a unos cuantos amigos para tomar el te y para charlar de cuestiones literarias. Virginia estaba particularmente animada y contenta, de manera que su marido la animó para que acompañada del arpa (instrumento que dominaba con cierta soltura) cantara alguna de aquellas graciosas canciones que solía interpretar para él y que le deleitaban enormemente.
Virginia aceptó con gusto, pero cuando recién comenzó a cantar su voz se quebró súbitamente y la sangre comenzó a fluir de su boca mientras sus ojos parecían salírsele de las órbitas. Aquella hemoptisis fué el anuncio dramático de una feroz tuberculosis. Este nuevo y trágico suceso sumió en la mayor desesperación al poeta que no vió otra salida que ingerir alcohol en cantidades ingentes para estimularse. Este vicio se convirtió en un espectro tenebroso y pegadizo que como un celoso y sombrío amante no volvió a abandonarle nunca jamás. El propio Poe decía "Mis enemigos atribuyeron la locura a la bebida, en vez de atribuir la bebida a la locura..."
Virginia muere, y con ella también muere en cierta forma Poe, a finales de Enero de 1847. Como un símbolo, el poeta se envuelve en una capa de cadete (único abrigo que cobijó a su mujer en los últimos días), y con esa capa trata de cubrir el vacío, la desnudez y la vulnerabilidad en que se sume tras la muerte de su adorada Virginia.
A partir de entonces y hasta su propia muerte que acaece el siete de octubre de 1849., fué más un cadáver viviente que un ser vivo. Parece ser que sus últimas palabras fueron : "Que Dios ayude a mi pobre alma", pero en torno a este suspiro desesperado se lanzaron las más descabelladas invenciones y algunos biógrafos miserables explotaron el morbo del personaje y convirtieron el lúcido lamento en chorradas siniestras.

Nuestro segundo personaje, el productor y director Roger Corman, llamado "Rey de la Serie B" , que tituló su sabrosa autobiografía "Como hacer cien películas en Hollywood y nunca perder un centavo" firmó nada más y nada menos ocho títulos basados en narraciones de Poe: "La caída de la Casa Usher", "El Pozo y el Péndulo", "El Entierro Prematuro". "Cuentos de Terror", "El Cuervo", "La Máscara de la Muerte Roja", "La Tumba de Ligeia" y aprovechando que los decorados de ésta última aún no habían sido retirados aprovechó y filmó una especie de pupurril de Poe titulado "The Terror" (ignoro si fue estrenado en España).
Corman fue un genial artesano que hizo verdaderas maravillas con los medios más estrafalarios y obviamente en un tiempo record. En su periodo más activo era capaz de filmar hasta siete películas en un año. La primera versión de la "cult movie" "La pequeña tienda de los horrores" se dice que fué rodada en menos de tres días. Otras historias cuentan que Corman alquiló el set de rodaje por un mes y que se apresuró a rodar en tres días "La Pequeña Tienda...." para reusar el set para otra película.

Lo que ha contribuído a la leyenda de Corman es la pléyade de futuros nombres de Hollywood que trabajaron a sus órdenes y que posteriormente se convirtieron en reputadísimos directores. Nombres como F.Ford Coppola, Scorsese, Ron Howard, Peter Bogdanovich, Jonathan Demme, James Cameron, Monte Hellmann....etc son indiscutibles talentos que abonan la fama del maestro.

Hay una faceta curiosa de Corman, al margen de su predilección por los temas terroríficos o de ciencia ficción y es su feminismo. Son títulos inencontrables pero que harían las delicias de cualquier aficionado al cine panki. Ignoro si este asombroso título fue proyectado alguna vez en las pantallas españolas, yo lo gocé en la ITV inglesa: "The Saga of the Viking Women and Their Voyage to the Waters of the Great Sea Serpent" y aún hay más títulos insólitos: "Swamp Women", "Apache Woman" , "Oklahoma Woman", y "Sorority Girl".... Está claro que Corman era un destacado defensor de los derechos femeninos. En la película "Gunslinger" se produce el brutal asesinato de un Sheriff. La esposa es testigo del tiroteo y en vez de gritar y llorar desesperadamente se dirige al cuerpo yacente de su marido muerto y cogiendo el fusil le planta cara a los dos asesinos de su marido y sin pensárselo dos veces les descerraja sendos disparos. Pero no se conforma con ello. En el funeral del marido se autoproclama sheriff y con un par impone la ley en la región.

Naturalmente, tras Corman llegamos al tercer personaje de nuestro tríptico, que no es otro que el sin par Vincent Price, uno de los actores que ningún cinéfilo puede olvidar, ya que a su gran talento, a su elegancia y a su buen hacer por el arte se une la más característica y maravillosa de las voces.
Su presencia siempre ha estado unida a los film de terror que han jalonado buena parte de su carrera. De todos los film basados en Poe dirigidos por Corman, solo en uno de ellos "El Entierro Prematuro" no aparecía nuestro actor.
El actor, nacido en St. Louis no necesitaba del cine para hacer fortuna, ésta le venía de familia, ya que su abuelo fué el inventor de la famosa levadura en polvo "Dr. Price's Baking Powder", supongo que el equivalente a nuestra levadura "Royal".
Vincent estudió en Yale historia del arte y desde muy pronto se interesó por la interpretación teatral.
Sus primeros pasos en el cine los dió en 1938 con la película "Service de Luxe", pero su reputación como actor la consiguió en "Laura".
Para no cansar excesivamente a los lectores (ustedes mismos pueden bucear en el insondable mar de internet) y dado que lo único que persigo con este post es unir a estos tres personajes, terminaré diciendo de Vincent Price que nadie como él podía personificar a los personajes atormentados de Poe . Tim Burton le homenajeó como el actor se merecía en una de las últimas películas que éste interpretó "Eduardo Manostijeras", donde Price daba vida al inventor.

Bien, queridos amigos, solo me resta felicitar al maestro, doquiera que esté. Probablemente le estará tocando las narices a dios padre narrándole todos los cuentos terroríficos que ocurren y están ocurriendo en la Tierra. El tiene ya toda la eternidad para esta labor.

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No tiene mayor importancia, pero este blog cumple en estas fechas dos añitos. No es mucho tiempo, lo reconozco, pero sí el suficiente para haber podido conoceros a muchos de vosotros por los comentarios que habeis dejado en estas páginas.
Estoy muy agradecido por vuestro apoyo y eso me anima a seguir p'alante, como dicen en mi tierra, mejorando mis fuentes de información y trabajando más para poder transmitit un entusiasmo mayor a esta afición que nos une y que se llama CINE.

PERDONADME QUE HOY HABLE DE WAGNER

Mi muy querido Woody Allen en una de sus ingeniosas salidas decía que cada vez que escuchaba a Wagner le daban ganas de invadir Polonia. A la vista de los acontencimientos que están ocurriendo en Oriente Medio, se conoce que los prepotentes israelitas, rememorando a su matón bíblico Sansón, han decidido acabar con los actuales filisteos: mujeres, ancianos, y niños palestinos, y no es descabellado pensar que lanzan sus cohetes y avanzan con sus cañones al compás de los acordes de la Cabalgata de las Walkirias....Las últimas noticias que he oído sobre estos centuriones hebreos, algo olvidadizos de su pasado reciente (o puede que su sed de venganza los tenga obnubilados), es que han bombardeado un Hospital y un Centro de Asistencia de Naciones Unidas. ¡Magnífica hazaña, vive dios!....Se han excusado, eso sí, diciendo que las bombitas habían equivocado su objetivo...OK .....Pero, amigos míos, no era mi intención hablar de esta maldita guerra. La vena se me ha terciado por la indignación que siento.....¡Tranquilizate Anro y habla de lo que tienes que hablar!

El maestro de Leipzig será el protagonista absoluto de mi próxima jornada dominguera. En el marco incomparable de nuestro Auditorio Alfredo Kraus, la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por el prestigioso director Lorin Maazel nos deleitará con una versión de "El Anillo", arreglo del propio maestro Maazel.
Muchos de ustedes torcerán el gesto y con osadía sarracena se atreverán a decir: "Jo, tío, menudo plome", pero queridos míos se equivocarán de medio a medio.
Wagner no fué solo el maléfico duendecillo musical del bigotes ansariano alemán, ni el que se la ponía dura a Robert Duvall en Apocalypse Now; fue, sin lugar a dudas uno de los compositores que más influyeron en el desarrollo de la música a partir de principios del siglo XX.

Siempre que se habla de Wagner, inmediatamente se le relaciona con la desmesura, pero si ahondamos en su música encontraremos inmediatamente un lirismo comparable al genio de Salzburgo.

Y si no que se lo pregunten a Nietzsche, que se soltaba del siguiente modo: "Obsérvese a nuestras mujeres cuando están "wagnerizadas" (ole al término): ¡qué sujeción de la voluntad!¡qué fatalismo en el mirar que se apaga! ¡Qué dejar hacer, rendirse! ¿Tal vez hasta barrunten que en ese estado de voluntad suspendida tienen un hechizo y encanto más para cierta clase de hombres?".......Y yo me pregunto a qué clase de hombres se refería el filósofo con ese interrogante misterioso.

También decía Nietzsche ( que más tarde renegaría del maestro de Leipzig en uno de sus trabes mentales) "La serenidad de Wagner es la sensación de seguridad de quien de máximos peligros y excesos regresa a lo limitado y familiar". Yo no se si el filósofo se refería al Wagner hombre o al Wagner músico. En cualquier caso no importa. Tanto uno como otro están íntimamente unidos, Vaya como ejemplo que cuando la familia, comida por las deudas tuvo que huir a Londres , atravesando el canal, soportaron una espectacular tempestad. Aquella experiencia fue la inspiradora de su ópera "El Holandés Errante".

Me atrevo a presumir de haber escuchado y visto representado varias veces el famoso ciclo del Anillo. Uf!, menudo queme. Son un total de quince o diez y seis horas!, pero os puedo asegurar que la experiencia es más que gratificante. El hombre tardó en componer esta magna obra veinticinco años de su agitada vida. Es una verdadera pena que muchos, inclusos los que se dan de entender música, sólo conozcan de esta epopeya musical el breve fragmento de la famosa Cabalgata o cuanto mucho "El Entierro de Sigfrido", ¡una pena!

El ciclo completo fue estrenado el verano de 1876 en el recien terminado teatro de Bayreuth, diseñado por el propio músico para que las representaciones se hicieran en las condiciones requeridas. Wagner ponía en práctica su concepto de "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk, en la que el drama , la música y las artes visuales se combinaban armónicamente.

"La trama de cada drama wagneriano se caracteriza por una sencillez aun mayor que la de la tragedia antigua, lo cual no es óbice para que el suspenso dramático alcance un grado superlativo. Se debe ello al efecto de las grandes formas, sus contrastes, sus enlaces simples", Nietzsche said.

La muerte le sobrevino al músico en la ciudad de los canales, recien estrenada su ópera póstuma "Parsifal". El 13 de Febrero de 1883, Wagner veía el último amanecer en Venecia.

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Necesito aclarar que la mano que aparece en la foto (la mìa propia) no está dirigiendo ninguna obra musical. Es un gesto de rechazo a la GUERRA.

DIRECTED BY CHARLES LAUGHTON

La categoría de obra de arte sólo se concede a muy pocas películas. Al gran actor y mejor director (aunque solo lo hiciera en una ocasión) Charles Laughton le cupo ese honor por "La Noche del Cazador.
Nadie que haya tenido el placer de ver esta película puede quedar indiferente al tremendo poder de sus imágenes; por algo The UU.EE Library Congress la seleccionó para ser preservada en su National Film Registry en 1992.

La gestación del film tuvo lugar cuando Laughton y el guionista James Agee investigaban la obra del expresionismo alemán en la década de los veinte. Ambos querían experimentar todos los ángulos y matices del movimiento y llevarlo a la práctica con los medios que ofrecía la industria cinematográfica de la época.

Laughton no era un pardillo en la dirección de actores, ni mucho menos. Desde principios de los cuarenta, el actor se embarcó en la tarea de dirigir a jòvenes actores con base en su propio domicilio de Los Angeles. Muchas producciones surgieron de allí consiguiendo un éxito más que notable, hasta el punto de que Paul Gregory, su entusiasta y fervoroso manager le animó a que asumiese de una vez la tarea de dirigir una película.
La primera novela escrita por David Grubb, "La Noche del Cazador", cayó en manos de Laughton e inmediatamente se enamoró de ella. No le faltó tiempo para ponerse nuevamente en contacto con James Agee , que desgraciadamente se encontraba en la fase final de un agudo alcoholismo crónico y ambos se pusieron a la tarea de escribir el guión. Existe una duda razonable sobre la autoría final del guión. Paul Gregory, productor del film llegó a decir: "si el guión de la película es de James Agee...yo soy Marlene Dietrich". Como quiera que fuese es difícil negar la incuestionable profesionalidad del guionista y su nombre ha quedado inmortalizado en la obra.

Laughton tuvo especial cuidado en rodearse de buenísimos colaboradores, pero especialmente tuvo dos que contribuyeron a que "La Noche del Cazador" se convirtiera en obra maestra: el cámara Stanley Cortez y el compositor Walter Schumann. Este,en íntima colaboración con el director compuso una obra en la que introduce tonos expresionistas y usa las cuerdas para resaltar la crispación de algunos pasajes. En la película se incluyen dos canciones, igualmente originales del compositor. Una de ellas "Lullaby", interpretada por Kitty White, una cantante de nightclub descubierta por el propio Schumann y "Pretty Fly", originalmente cantada por SAlly Jane Bruce, que en la película interpretaba a Pearl, pero en el montaje definitivo del film fué doblada por una actriz llamada Betty Benson.


Hay una secuencia de tremendo impacto que es cuando los niños se preparan a hacer el viaje por el río huyendo del clérigo. Se palpa la amenazante aproximación del mismo a través de las sombras de la noche al tiempo que se le oye cantar ""Leaning! Leaning on the arm of the Lord!. Cortez utilizó las luces y las sombras con una maestría inmensa y se valió de un pony y de un enano para sugerir el avance del clérigo en el horizonte.

No cabe la menor duda que Laughton utilizó sabiamente toda la poesía y la belleza que crearon sus colaboradores y la puso al servicio de una dirección soberbia. ¡Quién puede negar hallarse frente a una película tan hermosa como aterradora!.....y sin ambargo el film fué un fracaso de crítica y de público (desconfiemos de los grandes popes de la crítica que pululan por algunos medios, en muchas ocasiones se equivocan de medio a medio) Fué tan grande la desilusión de Laughton que jamás volvió a ponerse detrás de la cámara. Existe el consuelo de que el cine perdió un gran director y ganó un gran actor, pero.......

La imagen icónica de Mitchum apoyado en la verja mostrando los nudillos de sus manos en los que pueden leerse las palabras LOVE y HATE ha quedado grabada en la memoria de todos los cinéfilos. La maldad que emana del actor, que no necesita mover un músculo de su cara para que sepamos que lleva el diablo dentro , la percibimos desde el primer momento que aparece en pantalla.
No me cabe la menor duda de que Mitchum hizo en "La Noche del Cazador" el papel de su vida, pero no le fue a la zaga la incomparable Shelley Winter como Willa Harper y por supuesto Lillian Gish, a la que Laughton utilizó como homenaje a Griffith.

Cualquier cita descriptiva a escenas de esta memorable película sería hacerle un flaco favor a la misma. Su poética visual es tan potente, que sería como intentar explicar a una persona un cuadro del Bosco.

Háganme un favor y háganselo ustedes mismos. Si han visto "La Noche del Cazador" vuelvan a verla y si no la han visto, amigos míos, aun no saben lo que es gozar del cine.

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Cuando casi ponía punto final a este post me he tropezado con el blog "All this and tiger nuts too! y su autora, Gloria, me ha recomendado la lectura de un libro escrito por Preston Neal Jones (próximo a publicarse) titulado "The Night of the Hunter: A Biography of a Film". Me ha parecido un consejo cojonudo para que todos los cinéfilos nos adentremos en ese viaje hacia el corazón de la obra de ese único e incomparable director llamado Charles Laughton.

UN CUADRO CON HISTORIA

"Cine Negro" es un concepto cinematográfico que se le escapa a la mayoría de los espectadores que acuden a los cines-de-centro-comercial. Para todos los que amamos el cine, este término es una consigna masónica con la que evocamos todo un mundo de imágenes; un mundo turbio de pasiones y crímenes.
Naturalmente en su día (hablo de los cuarenta ¡casi ná!) lo de "noir" se le escapaba también a los espectadores de entonces. Sencillamente se decía: "Hoy ponen en el Palace una de misterio". Está claro que los españolitos aun no conocíamos la famosa jerga de los muchachos del "Cahiers du Cinema".

A pesar de los muchísimo que se ha hablado, cantidad de blogueros han reflejado sus impresiones sobre "Laura" en sus respectivos blogs, me vais a permitir que yo también ponga mi granito de arena sobre este magnífico y aplaudido film de Preminger.
"Laura" es la quintaesencia de "cine negro". Tenemos en ella: intriga, giros repentinos en la acción, un detective despistado de Kentucky, enamorado para más inri de una muerta que en realidad está viva....todos estos ingredientes se mezclan en el sofisticado Manhattan de los cuarenta.

Lo primero que me seduce de esta película es el tema musical de David Raksin. Aparentemente lo compuso en un fin de semana inspirándose en un "dear john letter" (término intraducible que alude a la carta que envía una mujer cuando corta una relación para iniciar otra) que recibió de su mujer. También se nota el influjo de Duke Ellington y su pieza "Sophisticated Lady". Las notas se derraman generando sentimientos que se desplazan por los grises turbios de la trama.

"Nunca olvidaré el fin de semana que murió Laura. Un sol de plata brillaba en mitad del cielo como un enorme y magnífico cristal. Ese fué el domingo más caluroso que recuerdo. Sentía que yo era el único ser humano caminando por Nueva York. En el momento de la muerte de Laura yo estaba solo. Yo, Waldo Lydecker, fuí la única persona que de verdad la conoció" narra el magnífico Clifton Webb. ¿No es para llorar de emoción con este lírico arranque?

Si Laura con su belleza es la imagen del film, el corazón del mismo es sin lugar a dudas Waldo Lydecker, interpretado por un más que magnífico Clifton Webb, memorable en todos los sentidos. Muchas veces ha insistido nuestro amigo Josep en su blog sobre estos "actores secundarios" y lleva toda la razón del mundo en elevarlos al pedestal que se merecen. Aquí, junto a Clifton Webb, hay que destacar a otros dos puntales: Vincent Price, como Shelby Carpenter, el prometido snob de Laura, y naturalmente a la gran dama Judith Anderson, como la neurótica tía Ann.



Sin embargo, tanto Gene Tierney como Dana Andrews, su protagonismo les viene grande. Ambos resultan acartonados frente al trío de secundarios. Gene Tierney tiene la fotogenia más hermosa que imaginarse pueda y el personaje irá pegado a su imagen para siempre, pero tendreis que opinar conmigo que está un tanto fría y en ocasiones parece no creerse el papel que interpreta. A Dana Andrews le pasa tres cuartos de lo mismo. En muchísimas escenas se muestra de una rigidez supina y el tono de su voz surge sin modulación alguna. Pero ambos actores consiguieron auparse al estrellato con esta película.

En flashback se nos muestra la particular relación que ha existido entre Laura y Lydecker. Este actúa como una especie de Pigmalión para con ella. Se convierte en su asesor de vestuario, le hace cambiar de peinado, la presenta en sociedad a las personas indicadas y la publicita valiéndose de su influencia periodística en los medios más elegantes de la sociedad neoyorkina.

Una de las escenas más hermosas y extraordinarias de la película es cuando McPherson, el detective, entra por la noche en el apartamento de Laura, con el convencimiento de que ha muerto. No obstante toca sus prendas, huele el perfume y bebe del mismo vaso que supuestamente ella ha tocado. Se sienta frente al cuadro que representa a la mujer y la contempla absolutamente ensimismado. Su proceso de necrofilia amorosa es ya un hecho. Asiste a una cita con el fantasma de una mujer.

El cuadro de Laura era una fotografía a la que los técnicos del estudio simularon pinceladas, como si de una auténtica pintura se tratara. Como nota curiosa el cuadro volvió a reutilizarse en la película "On The Riviera" (En la Costa Azul), pero en esta ocasión a todo color. Este film estuvo dirigido por Walter Lang y protagonizado, obviamente, por Gene Tierney (de ahí la reutilización) y por Danny Kaye.



"Laura" está lejos de ser una película perfecta. Algunos pasajes del guión tienen incongruencias de difícil aceptación pero todo aquel que la ha visto queda prendado de ella al igual que le ocurre al detective McPherson con la protagonista.
Es legendaria la historia que envolvió al productor Zanuck con los dos directores de la película: Rouben Mamoulian y Otto Preminger, que fué quien por fin se llevó el gato al agua.
El productor no quería de ninguna de las maneras que Preminger dirigiera "Laura" y eligió a Mamoulian. Cuando se visionaron los primeros materiales todos los que asistían a la proyección no tuvieron más remedio que reconocer que eran un desastre. Preminger apuntó que Laird Gregar (el actor que en principio interpretaba a Waldo) era una equivocación mayúscula, porque el público lo identificaría inmediatamente con Jack el Destripador, personaje que acababa de interpretar.
Preminger propuso a Clifton Weeb para el papel de Waldo. Zanuck se negó en principio alegando la homosexualidad del actor. El director insistio en hacer una prueba. Webb la superó, disipando todas las dudas del productor. Hay que estar completamente de acuerdo con esta sabia decisión que hizo decir al famoso crítico Roger Ebert: "...el film completo es una pieza maestra: artificial, amanerada pero aun así con una gran armonía en el balance de los pequeños motivos con el alto estilo. Lo que hace a la película grandiosa, quizá, sea el reparto. Los materiales de serie B son redimidos por Waldo Lydecker, caminando a través de todas las escenas como si tuviera miedo de tropezar con algo"

Zanuck no tuvo más remedio que transigir con Preminger y le dió portazo a Mamoulian. Este no se rehizo de esta debacle. Solo volvió a dirigir otros dos film, de los que también fué despedido. "Porgy and Bess", substituído también por Preminger y "Cleopatra" que finalmente firmó Mankiewick.

"Laura" no es el mejor de los films noir, pero sí uno de los que mejor expresa la dualidad turbia de este tipo de género. Personalmente creo que la película sigue emanando un peculiar perfume que te embriaga al compás de la inolvidable melodía.

NUEVO AÑO, NUEVAS ESPERANZAS

El año pasado por estas mismas fechas os saludaba a todos con una foto de servidor de ustedes dándose un baño en las tranquilas aguas del Puerto de Mogán al sur de la isla de Gran Canaria. Hoy, y doy gracias por ello, puedo saludaros frente a la playa de Meloneras, también al sur de esta bendita Gran Canaria.
Tengo sobrados motivos para estar contento con la Vida. Uno de ellos poder seguir compartiendo con todos vosotros muchísimos gustos afines relativos al cine y su entorno. Afortunadamente la geografía que me envuelve es calma y hermosa y eso da motivos a sonreir confiado y transmitir la esperanza que deseo. Pero, ese sol que se esconde a mis espaldas no está brillando como debe para todos.
A esas playas que veis a mis espaldas arriban gentes desesperadas y tristes. En ocasiones, esos hombres y mujeres, cuando llegan a tierra son cadáveres al viento a los que ha abandonado toda esperanza. Muy pocos de los que logran asentarse en nuestra tierra pueden construir un futuro seguro. La mayoría de ellos deambulan por las calles de nuestros pueblos con la mirada huidiza, tropezando con la desconfianza y el desasosiego de muchos de nosotros.
Durante todas estas fiestas, más allá de nuestras fronteras, los tambores de guerra se han abatido sobre la Franja de Gaza y mujeres y niños han sido inmolados. El cinismo de algunos gobiernos ha sido vergonzoso en sus condenas a un Israel prepotente.

Se, que pensar hoy, en un mundo mejor, es una utopía, pero permitidme que siga creyendo en el hombre y en su capacidad para mejorar. Al fin y al cabo siempre nos quedará el cine para soñar.