DOUBLE FEATURE AT THE LATE NIGHT

En los años 60 corría una costumbre cinematográfica que consistía en estrenar en los cines de barrio una película de las llamadas "serie B" juntamente con un reestreno de otra película que ya había sido exhibida en las salas del centro de las ciudades o bien con otro producto B. En España se llamaba "Sesión Doble" y en América "Double Feature". Naturalmente las películas llamadas "B" se suponía que carecían del glamour de las grandes estrellas, y los directores que las filmaban eran "aprendices" o "directores industriales" cuyo nombre no trascendía, ni falta que hacía. Estos artesanos de estudio suplían las carencias con una imaginación desbordada y hoy muchos de estos films "B" han pasado a ser películas de culto a las que se le perdonan las aristas y los defectos. Y alguno de estos directores goza hoy del reconocimiento de muchos eruditos del cine.
Uno de estos directores "B" es Roger Corman, de quien se ha hablado mucho en algún blog amigo (hace unos días sin ir más lejos en www.tengobocaynopuedogritar.blogspt.com , Crowley nos hablaba de las adaptaciones de Poe por este mismo director) y yo mismo también lo he citado en alguna ocasión.

Hoy traigo a Roger Corman a este post por una razón principal, la de ser el autor de una película de culto que ha dado lugar a un musical de éxito y a una película musical, que a su vez también se ha convertido en una película de culto: "The Little Shop of Horror".

Corman era un director que no se quebraba la cabeza. Cuando tenía una idea la ponía en práctica sin pensar en pulirla. Así pues cuando tuvo la historia llamó a sus actores habituales: Jonathan Haze, Jackie Joseph, Mel Welles y Dick Miller y en solo dos días y 30.ooo dólares de la época, que tampoco era una cantidad excesiva llevó a cabo su película más "cult".

Por aquellos misterios del cine , y por el boca a boca "La pequeña tienda de los horrores" se convirtió de la noche a la mañana en una película de cola larguísima. En principio se proyectaba obviamente en doble sesión con "Black Sunday" de Mario Bava, pero poco después caminó sola con extraordinario éxito.

Las vidas del miserable floristero Gravis, de la dulce y tontita Audrey y del tímido y patoso Seymour se ven alteradas cuando entra en juego una revoltosa e insaciable Audrey Jr, una planta a la que enloquece la carne humana.

Cuando Corman recibió el encargo de rodar una película llamó urgentemente a su guionista, Charles B. Griffith para que se diera prisa en escribir un guión. Había muy pocos días de plazo porque se tenían que utilizar unos decorados que serían desmontados en días. Griffith pensó al principio en una historia de vampiros llamada "Cardula" en la cual el vampiro protagonista es al mismo tiempo un crítico musical. Corman le dijo que nones y la siguiente idea, titulada "Gluttony", iba de un cheff que liquida a los clientes para después cocinarlos, pero Corman tuvo que rechazar también esta idea por aquello de la censura de estudio. Entonces a Griffith se le ocurrió decir : "Bueno ¿y si es una planta la que se come a los tios?. Corman entonces le contestó: "OK, Griffith, por cierto, ambos le hemos dado a la botella ¿cierto?"
La verdad es que a Griffith se le iba la olla con las ideas, pero Corman aceptó aquella proposición y puso al guionista a trabajar de inmediato.
La película se iba a titular "The Passionate People Eater" , pero se cambió por el título más comercial de "La pequeña tienda de los horrores".


En los ochenta, un joven compositor llamado Alan Menken y el letrista Howard Ashman decidieron llevar a las tablas "La pequeña tienda de los horrores". El asunto era arriesgado y aunque confiaban en el proyecto no sabían qué repercusión tendría entre el público. De acuerdo con la película original Menken compuso la música con aires sesenteros e inspirados en Motown style, sobre todo las melodías "Skid Row", "Somewhere That's Green" , "Suddenly Seymour" y la canción de entrada.

El seis de Mayo de 1982 se alzó el telón en el WPA Theatre del off-Broadway. El éxito, al igual que el de la película fue inmediato. La obra recibió innumerables premios y sus representaciones llegaron a 2.209, la cifra más alta jamás alcanzada por una producción en el off-Bradway.
Lo menos que pensaban los autores era que la obra diera la vuelta al mundo. Pero así fue y posiblemente fuera de los primeros musicales que se representaron en escenarios españoles, concretamente en Madrid y en Barcelona.
Las diferencias entre el musical y la película original son varias, aunque se conserva el concepto del humor macabro. Los escenarios cambian y en vez de los barrios bajos de Los Angeles a los de Nueva York. La madre judía, hipocondríaca de Seymour se elimina y Seymour viene a ser un huérfano adoptado por Mushnik. Curiosamente el cliente masoquista que en la película de Corman era interpretado por Jack Nicholson, fué omitido en el musical, pero vuelto a rescatar en la película (interpretado por Bill Murray) que posteriormente Franz Oz realizó sobre el musical.
El musical introduce tres nuevos caracteres: un coro de chicas del barrio: Crystal, Chiffon y Ronnette que son igualitas que el famoso grupo de los sesenta. La malvada planta se llama Audrey II en vez de Audrey Jr. y es una alienigena que ha venido a la Tierra con la intención de dominar el planeta.

En Octubre de 2003, "Little Shop of Horrors" musical aterrizó en el corazón de Broadway, en el escenario del Virginia Theatre.

Y por fin llegamos al terceto, "Little Shop of Horror", película musical. El proyecto surgió casi inmediatamente de la primera puesta en escena del musical. Hablar de Frank Oz, el director de esta adaptación musical, es hablar del hombre que trabajó con Jim Henson, del Maestro Yoda de la Guerra de las Galaxias, de Barrio Sésamo, Miss Piggy y etec. etc.

"Little Shop of Horrors" versión Oz es una verdadera delicia donde todos los actores merecen un puesto de honor, muy en especial Ellen Greene, una adorable Audrey Fulquard que queda para siempre en la lista de oro de las chicas-bobitas-sexys del cine. Steve Martin, en el papel del dentista sádico está genial y ningun Seymour hubiera dado la talla como Rick Moranis. Y sobre todo la voz de Audrey II , que la pone Levi Stubbs el lider vocal de los Four Tops.
Bill Murray aparece en un impagable pequeñisimo papel de paciente masoca del sádico dentista Orin Scrivello.
Tanto la banda sonora del film como el Broadway original cast son una gozada para el oído. Los recomiendo a quien no haya tenido ocasión de escucharlos.
Hay un final de 23 minutos que fué descartado por la negativa aceptación de las primeras audiencias. No se si aparece en las actuales copias de DVD, como curiosidad. Yo no lo he llegado a ver nunca. En este final Audrey II se come a Seymour y escupe sus gafas y poco despues vemos a la malvada planta en lo alto de la Estatua de la Libertad.

En fin aquí teneis un pequeño mosaico de una pieza desc0mpuesta en tres versiones distintas. Os aseguro que cada una de esas partes por separado es una verdadera delicia. Yo, al menos así lo pienso.

A ultima hora he conseguido encontrar el final original. Yo también lo veo por primera vez y como tal ahí lo teneis.

EL WESTERN MAS LIRICO DE FORD

Mucho, muchísimo se ha hablado de John Ford, de su vida, de su forma de dirigir, de sus películas y naturalmente todos los que admiramos a este genio del cine, discutimos sobre su mejor película del oeste. En esta discusión todos llevamos la razón y lo único que podemos decir al final es : "pues mi favorita de Ford es....."
Pues bien, mi película del oeste favorita de Ford es sin lugar a dudas "My Darling Clementine", o "Pasión de los fuertes" que se tituló en nuestras tierras.
Tombstone era el pueblo al oeste de las Rockies que tenía el mayor cementerio y no era nada extraño teniendo en cuenta los intereses mineros y la clase de aventureros que arribaban por aquellos lares.

Wyatt Earp es un personaje (Henry Fonda en esta película) que ha sido protagonista de infinidad de películas. Su figura legendaria ha inspirado con desigual fortuna a muchos cineastas, pero su lado humano no ha sido nunca mejor tratado que por John Ford en "Pasión de los Fuertes".
Earp nació en Illinois en 1848 y junto con su familia se marchó al Oeste en 1864. Fue detenido por robar caballos en territorio indio pero pagó la fianza y pudo escapar a Kansas. En 1874 la historia lo coloca en Wichita, donde trabajó de policía. En Dodge City conoció a John "Doc" Holliday, un jugador profesional tuberculoso que a la primera de cambio sacaba las pistolas. Su temperamento era terrible. Cuando Virgil, el hermano mayor de Earp consigue el puesto de Sheriff en Tombstone toda la familia se trasladó a aquel pueblo, incluído "Doc" Holliday.
Precisamente allí, en aquel poblado, se dirimió, en treinta segundos, el duelo más famoso de todo el Oeste. En Octubre de 1881 el tiroteo del OK Corral acabó con todos muertos y heridos, excepto Wyatt Earp.
Tanto este duelo, como las hazañas de este personaje no habrían trascendido a meras crónicas del Far West de no ser por el libro de Stuart Lake, escrito en 1931, titulado "Wyatt Earp, Frontier Marshall". Aunque Stuart Lake colaboró con Wyatt y le conoció bastante bien no cabe la menor duda que el escritor exageró y mitificó muchas de las hazañas del "héroe," pero tuvo un éxito inusitado y naturalmente el cine vió un filón en el tipo que un día fué sheriff de Tombstone(ocho de sus ochenta años).
En 1939 Allan Dwan dirigió "Frontier Marshall", protagonizada por Randolph Scott y César Romero. En realidad esta película es ciertamente olvidable y los hechos que narra se apartan de los que en realidad ocurrieron, pero Ford tomó este film como base de "Pasión de los Fuertes". Casi todo el comienzo es igual a la película de Dwan, cuando un indio borracho atemoriza a la ciudad. Charlie Stevens que interpretaba al indio fue contratado por Ford para hacer la misma escena.

Ford tampoco se ciñó al completo en los hechos históricos. Usó solo la anécdota como un gran esbozo para desarrollar su propia pintura. El maestro, que había regresado tuerto de sus experiencias en el frente del Pacífico durante la segunda Gran Guerra, quería hacer películas con toda la libertad. No quería interferencias de productores o de estudios y tampoco deseaba filmar sin más el guión que le presentaran. El había contratado a Winston Miller para escribir el guión de "Pasión de los Fuertes".


En un primer borrador había algunas diferencias con el film definitivo. Por ejemplo cuando Earp se marcha al final no le dice nada a Clementine. El personaje interpretado por Linda Darnell muere y Doc Holliday es asesinado antes del tiroteo. Ford fue retocando y Zanuck también aportó alguna que otra idea.
Ford siempre tuvo claro que Earp iba a ser interpretado por Henry Fonda. Para Clementine el director le pidió a Zanuck que contratase a Anne Baxter, pero tuvo que conformarse con una difusa Cathy Downs. En cuanto a Linda Darnell, la amante mejicana de Doc, Ford tuvo que conformarse aunque no le gustaba la caída de párpados de la actriz.
Para Doc Holliday se pensó en Tyrone Power (hubiera sido un buen Doc a fe mía), Douglas Fairbanck Jr. y ¡Vincent Price! (para nada en el papel, tambien bajo mi criterio). El papel se lo llevó Victor Mature, con ciertas reticencias por parte de Ford, que luego se disiparon.



El decorado de Tombstone se construyó en Monument Valley. (Ese lugar incomparable en el que servidor se sentó a contemplarlo en el mismo lugar desde donde el maestro supervisaba algunas de sus memorables escenas) Una nota curiosa es que Ford habilitó a un sacerdote que tuvo que venir por una carretera de 140 kilómetros para que dijera misa el domingo. El pícaro tuerto obligaba a asistir a misa tanto a católicos, como a protestantes o judíos de esta manera cuando durante el oficio se pasaba la bandeja (en este caso el sombrero) todo el mundo "aporta inferi" (¿se dice así en latín?).
Parece ser que las noches en aquel mágico lugar eran absolutamente preciosas. Danny Borzage amenizaba las veladas con la música de su acordeón y a veces se encendían las luces de los relámpagos a lo lejos en el valle.
El carácter que Fonda imprime al personaje de Earp es absolutamente sublime. Es un hombre completamente civilizado que se levanta cuando aparece una mujer, que sabe bailar y trinchar un pollo. Y que se sienta en el porche chulescamente mientras balancea la silla.


"My Darling Clementine" no quiere ser un film violento (que lo es) sino lírico y romántico. El título original lo dice todo (comparar el rocambolesco titulo italiano del poster de portada). Escenas como la de la barbería, la del baile y la despedida final son piezas maestras que salían del corazón de la cámara de uno de los más grandes directores que jamás ha sido, para placer de nuestros sentidos.

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Nota al margen. Con este post, servidor de ustedes, comienza a contar desde los doscientos. Si las circunstancias me siguen siendo favorables, como espero, seguiré manejando el timón de esta nave con la misma ilusión que el primer día, ya casi hace tres años. Gracias a todos vosotros por seguirme. Espero estar a la altura de las circunstancias y no ser demasiado plasta. Si en alguna ocasión logro provocar una sonrisa o una buena reflexión me daré por compensado.

Empecé este blog cuando me monté en ese cacharro. ¿El intrépido capitán Han Solo en su Halcón Milenario?....Bueno, tampoco tuerzan el gesto. Han Solo también tiene una pila de años encima ¿o no?

EN LOS ABISMOS DE UN SUEÑO

Era un cabrón en todo el sentido del término. Culebreó a la vida, se paseó por el filo de la navaja y finalmente, un viernes 13 de mayo de 1988 un hombre que salía de un bar de Zeedijk tropezó con un cuerpo que estaba tendido en el asfalto de la calle Prins Hendrik de Amsterdam. El hombre pensó que se trataba de un borracho, sin embargo era el cadáver de uno de los más asombrosos trompetistas de la historia del Jazz: Chet Baker.

Nunca se ha aclarado la muerte del genial trompetista: suicidio o asesinato. En realidad poco importa. Una u otra forma era el final lógico a una vida que ya iba en pendiente libre desde que un pequeño Chettie observó desde el la cerradura de una puerta las francachelas de su padre Chesnie con sus amigotes.

Pero este hombre, que sonreia sin despegar sus labios, para no mostrar el primer incisivo izquierdo, que había perdido cuando siendo niño una piedra, al rebotar en una farola, fue a parar a su boca, tenía una facultad, casi divina, para tocar la trompeta.

Chettie descubrió un día un viejo piano y sintió que algo le llamaba de aquel teclado amarillento. Pronto pudo tocarlo. Tenía un asombroso oído y una memoria prodigiosa para las notas. De casta le venìa al galgo, porque su padre, entre borrachera y borrachera se había codeado con toda la gente del jazz de la época.
Pero el chico cambiaría de instrumento y pronto cambio los teclados por el viento y los sones de su trompeta han quedado para siempre, para goce de todos nosotros.




Este hombre poseía también una voz que enamoraba a todas las mujeres que se cruzaron por su vida. Ya a los doce años cantaba algunas canciones de amor. Vera, su madre se las había enseñado y no siempre eran las apropiadas para un crío, pero a ella no le importaba, lo único que quería era que Chettie fuera un gran artista. "You'd Be So Nice to Come Home To" de Cole Porter o "I Had the Craziest Dream" salían de la garganta de aquel chico con una espantaneidad y una perfección increíbles.

La vida airada que el joven experimentó en su casa, las frecuentes peleas de sus padres y el ambiente turbio de aquel pequeño pueblo le hicieron abandonar el hogar a una edad temprana. Le gustaba pasearse por la casa de Jimmy Rowles, que había sido el pianista de Billie Holiday, Peggy Lee y otras figuras legendarias del Jazz. Baker escuchaba con atención todas las melodías y luego con su nuevo instrumento, la trompeta trataba de repetirlas.

Baker fue calificado de un músico "cool" (frío, distante, controlador de emociones). Esto era una cualidad a la que aspiraban todos los jazzmen. Russ Freeman, que en 1953 fue el maestro del primer cuarteto de Baker dijo: "Tenías que ser cool. No era cool no ser cool. En alguna parte, de algún modo, los músicos de jazz jóvenes empezaron a considerarse diferentes del resto de la gente. Y es verdad, son diferentes de los demás".

Baker vió clara su vocación cuando oyó en 1949 un conjunto de grabaciones Capitol donde sobresalía la trompeta de Miles Davis. Eran "Birth of the Cool". Emanaba de estas grabaciones una dualidad lirismo-rabia, que pronto fué captada por el joven, que vivía enroscado en la rabia que sentía por sus progenitores. En aquel momento se hizo la luz en su mente. A través de su diente mellado salió todo lo que enredaba su corazón.

Desgraciadamente a través de aquel diente mellado de Baker también comenzaron a entrar otras sustancias. A finales de los cuarenta, en América se consideraba que la marihuana era una "droga" que conducía inevitablemente a la violencia y allanaba el camino hacia drogas más duras. Había anuncios tan pintorescos como un esqueleto remando una canoa en forma de ataud, con la cabeza apoyada en un gigantesco cigarrillo de marihuana. En consecuencia todo aquel a quien se le pillaba con el canuto inevitablemente quedaba marcado. La fama de "grifota" de Baker comenzó en 1952. Un policía le pilló a él y a un amigo fumando hierba en el coche de Baker. El hecho se complicó cuando el policía hizo un registro del coche y encontró una lata llena de marihuana.

Años más tarde el propio Baker confesaba: " Mi locura con la droga me asquea y horroriza. Me odio a mí mismo por mi adicción. Es pura demencia. He estado a un pelo de la muerte, con el cuerpo casi azul. Me da mareos pensar en las veces que he estado apretujado en un retrete público, haciendo frenéticos intentos de inyectar veneno en mis colapsadas venas...En ocasiones me he clavado una aguja en los brazos y las manos cien veces en el plazo de unas horas, horas de tortura y tensión, intentando introducir unos pocos microgramos de sustancia en mi corriente sanguínea."

Toda la vida tremendamente agitada de este hombre y genial músico está magistralmente narrada por James Gavin en la definitiva biografía del músico "Deep in a Dream". Pero el hecho de centrarme en esta fundamental figura del jazz es que, por fin, la próxima semana se estrenará en toda España ( o eso creo) el famoso film documental de Bruce Weber, "Let's Get Lost"

En "Let's Get Lost" Weber sigue la trayectoria del músico desde 1950 tocando con los grandes del jazz como Charlie Parker, Gerry Mulligan y Russ Freeman, y continua hasta 1980 cuando el hombre cae en la adicción a la heroína y su final recale en Europa. Weber nos presenta también el sórdido contraste entre un Baker joven y guapo mezcla de James Dean y Jac Kerouac y la especie de esqueleto prematuramente avejentado de sus últimos años.
La pelicula-documental se estrenó en el Festival de Toronto y fue bien recibido por el público y por la crítica. Weber lo produjo con su propio dinero y casi por amor al arte. El título lo tomó de una canción de Baker, de su album "Chet Baker Sings an Plays", que el propio Weber compró cuando tenía 16 años en una tienda de discos de Pittsburgh.

"Let's Get Lost" se reestrenó restaurado en el Festival de Cannes de 2008 y esa copia es la que se estrena en España la próxima semana.
Consejo: "No pueden dejar de verla bajo ningún concepto". Y ahora sigan escuchando a este maravilloso músico.

VIAJE AL PASADO: SIGLO XX- 1926

Esa sala que contemplan ustedes pertenece a uno de los templos culturales que posee Las Palmas de Gran Canaria. En este recinto hemos sido testigos de numerosos eventos musicales que para sí quisieran algunas grandes ciudades de la Península (alguna ventaja tendremos que tener los isleños), pero este sábado, algunos privilegiados (y sólo pagando siete míseros euros) hemos viajado en el tiempo. El auditorio tuvo la feliz idea de proyectar la maravillosa película de Friedrich Wilheim Murnau, "Fausto". Esto,por sí solo, ya sería un placer. Pero esa proyección tenía acompañamiento musical en vivo , ¡como ocurría a principios del siglo XX!. El prestigioso organista Wolfgang Seifen acompañó las dos horas de proyección con unos maravillosos sonidos , estos nos envolvieron de tal forma, que nos hicieron flotar a todos los presentes en una atmósfera igual a la de aquellos espectadores de principios del siglo pasado.

La película fue producida por la UFA y el gran Emil Jannings inmortalizaba a un gran Mephisto, Gösta Ekman era FAusto y Camila Horn la dulce Margarita o Gretchen. A lo largo de todo el metraje se suceden secuencias memorables que conforman muchos de los grandes momentos que caracterizan el expresionismo alemán. Sorprende la utilización de efectos especiales, asombrosos para la época. Hay un momento en que vemos surgir la gigantesca figura de Mephisto que despliega unas grandes alas de murcièlago sobre la ciudad, soplando sobre ésta la plaga que causará la muerte de la mayoría de sus habitantes.

Se da la circunstancia de que "Fausto" fué el último film alemàn que dirigió Murnau. Inmediatamente después se desplazó a EEUU, con el compromiso escrito a William Fox de dirigir "Sunrise" (una de las maravillas cinematográficas que bajo ningún motivo hay que dejar de ver)

"Fausto" no solamente se basa en la inmortal obra de Goethe, sino en la leyenda original y en la obra de Christopher Marlowe. El motivo central de la obra es el eterno deseo del hombre por conseguir la eterna juventud .
La película se convirtió en la producción más costosa y compleja de la UFA, cuya filmación se hizo a lo largo de seis meses con un coste de dos millones de marcos, de los cuales solo se recaudó la mitad. La productora pudo recuperarse un año después con "Metrópolis" de Lang.
Actualmente subsisten cinco versiones de la película (cada una de las cuales con cambios sustanciales): una de ellas alemana, que pasa por ser la versión original; una copia de ésta que posee el Instituto Cinematográfico Danés; una versión Francesa; una versión bilingue para toda Europa preparada por la UFA y otra versión preparada por el propio Murnau para la MGM y el mercado Americano.

El DVD que circula actualmente es una copia de 106 minutos. La que yo disfruté el sábado pasado tenía una duración de 120 minutos, con lo cual presumo haber visto la más completa. Y me reafirmo en ésto porque en la versión USA Murnau añadió una escena en la que Marthe, la tía de Gretchen, le ofrece a Mefisto una bebida que le causa a éste un gran malestar de estómago. Naturalmente era la època de la prohibición y el mensaje era claro. ¡Hasta el diablo rechaza el alcohol! . Esta escena de gran comicidad, un paréntesis en el drama, estaba en la versión que proyectó el Auditorio Alfredo Kraus.
La versión francesa conserva numerosos errores de filmación, como por ejemplo actores resbalando, Gretchen pisándose el vestido o filmando la maqueta del pueblo.
Una curiosidad está relacionada con el film "Fantasía" de Walt Disney. La escena correspondiente al fragmento "Noche en el Monte Pelado" de Mussorgki es calcada de la que he comentado de esta película en la cual el demonio Mefisto emerge tras la colina para expandir la peste en el pueblo.

No sería justo terminar este post sin dedicar un pequeño comentario al músico que durante dos horas acometió la tarea de impresionarnos con sus "improvisaciones sobre "Fausto". Wolfgang Seifen es cofundador y docente permanente en la Academia Internacional de Organo para la improvisación de Altenberg. Ha impartido clases en la Escuela Superior de Stuttgar y actualmente es profesor de improvisación y órgano litúrgico en la Escuela Superior de las Artes de Berlín. Es autor de un "Triptico Sinfónico" para coro, solo, órgano y gran orquesta que fué estrenada en la Basílica de Santa María de Kevelaer.
Una absoluta y doble delicatesen artística que muchos grancanarios pudimos disfrutar el sábado pasado.

"SWEET TRANSVESTITE FROM TRANSEXUAL , TRANSYLVANIA"

Nadie se imaginaba el 19 de Junio de 1973, que el musical "The Rocky Horror Show"que se estrenaba en el Royal Court Theatre, (un teatro perteneciente a la English Stage Company , situado en Sloane Square, en el prestigioso distrito de Chelsea-Kensington) se iba a convertir en uno de los éxitos más notables del teatro y que su trasposición al cine con el nombre de "The Rocky Horror Pictures Show" daría lugar al "cult movie" por excelencia y el primer film de un estudio importante (2oth Century Fox) realizado especialmente para las audiencias de medianoche

Jim Sharman era un prestigioso productor de teatro australiano que había montado en Sydney los dos éxitos musicales del momento "Hair" y "Jesus Christ Superstar", fue invitado por Richard O'Brien, que había interpretado a Herodes en el musical de Lloyd Webber. O'Brien andaba desempleado, pero estaba trabajando en una obra que había titulado "Rock Horroar".
La obra interesó al australiano y decidió traer a Londres al diseñador Brian Thomson con el que ya había trabajado en Sydney.
"Rock Horroar" comenzó a perfilarse día a día. Después pasó a titularse "They Came from Denton High", pero justamente a pocas fechas de estrenarse Sharman sugirió "The Rocky Horror Show", y con ese nombre pasó a la posteridad con enorme fortuna, como todos sabeis.

Despues de dos sesiones de tanteo la premiere se fijó para el 19 de Junio de 1973, pero no en el Theatro Downstair, que tenía mayor capacidad, sino en el Upstair que solo tenía 85 asientos. La producción fue un suceso, tanto comercial como crítico. La obra se traspasó al King Road Theatre (una sala de 350 asientos donde la gente, yo entre ellos, rugía de placer). Por fin en Abril de 1979 la obra se trasladó al teatro (de 820 asientos) Comedy Theatre en Panton Street del West End, donde completó las 2960 representaciones desde su estreno.

En el cast londinense debutó un actor que recibía un gran aplauso cuando aparecía en escena. Este era Tim Curry, que naturalmente interpretaba a Frank N. Furter el "sweet transvestite from Transexual, Transylvania"



"The Rocky Horror Show" cruzó rápidamente el Atlántico recalando en Los Angeles donde se representó en el Roxy Theatre. Tim Curry no podía faltar en el reparto. Frank N. Furter era él y solo él. Era fácil preveer que el triunfo en Broadway estuviera más que asegurado. El Belasco Theatre fue quien abrió el show al público neoyorkino. ¿Que pudo ocurrir para que "The Rocky Horror Show" sólo alcanzara las 45 representaciones? Misterio insondable de las tablas y vapuleo por parte de unos críticos obtusos. Este "fracaso" no fue definitivo. En Octubre del 2000 la obra volvió a representarse clamorosamente en Broadway.

La película ha forrado a sus productores y ha pasado a engrosar la lista de las películas seleccionadas por el United States National Film Registry para la Biblioteca del Congreso. Tanto Tim Rice como Susan Sarandon hicieron su presentación ante las cámaras. Rice siguió bordando su papel de Frank y Susan Sarandon hacía una Janet perfecta. Meat Loaf aparece en el film como el boy fried de Columbia y el que provee la materia cerebral para Rocky (Peter Hinwood).

"The Rocky Horror Pictures Show" tiene varias e importantes diferencias con el montaje teatral. Se cambieron algunos caracteres y naturalmente el diálogo.
Para la secuencia inicial se pensó utilizar clip de todas las películas mencionadas en la canción "Science fiction, double feature", una delicia por otra parte:
Michael Renie was ill
The day the earth stood still
But he told us were we stand
And Flash Gordon was there in silver uderwear
Claude Rains was The Invisible Man
The something went wrong
For Fay Wray and King Kong
the got caught in a celluloid jam
Then at a deaddly pace
It came from...outer space
And this is how the message ran.... Y los coros

Science fiction (ooh) double feature
Doctor X will build a creature
See androids fighting Brad and Janet
Anne Francis stars in Forbidden Planet
at the late night, double feature, picture show.

Pero los productores hicieron cuentas y el balance no daba para pagar por los derechos de todos esos film y les iba a costar un pastón. Así pues aquella idea se fue al cubo de la basura. Otra idea era hacer un paralelo con "El Mago de Oz". Rodar 20 minutos en un desvaido blanco y negro hasta que las puertas se abren a Transilvania. Entonces se descubriría toda la pantalla en un brillante tehnicolor y Frank entraría en escena. También fue descartada esta idea. A mí me sigue pareciendo preciosa la apertura del film, tal y como ha quedado.

Naturalmente los ecos de la Hammer están sonando en cada fotograma. De hecho se reusaron decorados y Brian TThomson y Jim Sharman no dudaron en utilizar el castillo llamado coloquialmente Hammer House, por la cantidad de filmes de la Hammer filmados allí.


Hoy esta maravilla arquitectónica es un lujoso hotel donde podeis pasar un par de noches inolvidables. ¿Verdad que no es mala idea?
Todos sabemos en lo que se convirtió esta pelicula, naturalmente con todo merecimiento. Lástima que Hollywood esté rumiando la idea de un remake. Al creador de la obra original, Richard O'Brien le honra el no estar envuelto en ese crimen cinematográfico al que tampoco le ha dado su bendición. ¡Alabado sea!

¡QUE LA PERDICION SE APODERE DE MI ALMA SI NO TE QUIERO!

¡Que la perdición se apodere de mi alma si no te quiero! ¡Y cuando no te quiera será de nuevo el caos! (OTELO, Shakespeare: Acto tercero, escena tercera) que en el inglés del bardo comenzaría con "Catch my soul", y ese fue el título que el productor y letrista Jack Good le colocó al musical de Ray Pohlman y Emil Dean Zoghby que en 1969 se representó en el The Roundhouse y posteriormente en el Prince of Wales Theatre del West End londinense.

Al margen del maravilloso diseño de la portada del disco original, lo que pretendo explicar en esta nueva sección es la rareza de un musical y mayor rareza su transposición a imágenes. Porque de eso se trata. Piezas que en su época fueron éxitos de la escena pasaron a ser películas rodadas a la sombra del éxito escénico y que pasados unos años se perdieron de la memoria por el motivo lógico de que eran productos sobrevalorados del modernismo momentáneo y al día siguiente eran antiguallas para la basura.

Bueno, os ilustro. Servidor y muchísima gente fuimos a ver y escuchar la "opera rock" "Catch My Soul", que como he dicho se representó en el Prince the Wales en 1970. El productor y letrista de esta obra era Jack Good, un hombre que se había movido en el terreno de la producción musical. Artistas como Cliff Richard, the Monkees y el revolucionario "Around the Beatles" salieron de su batuta. Más tarde el hombre se perdió en México y se dedicó a pintar iconos religiosos tras su conversión al catolicismo.

"Catch My Soul"(musical) se basa en el Otelo de Shakespeare y tiene algunos de los elementos de la tragedia original, pero Good traslada la acción a una comuna hipie. Otelo es un evangelista andariego que recala en la comuna de Iago. El hombre es muy bien recibido allí, se enamora y se casa con Desdémona, lo que ocasiona el disgusto de Iago que también ama a la joven. Iago remueve con sus mentiras la convivencia de la pareja hasta el desenlace final que obviamente es el mismo que tan magistralmente escribió el bardo.

Los setenta fueron años muy proclives al misticismo- cristiano- rockero: "Jesucristo Superstars" y Godspell fueron dos de los ejemplos más señeros, "Tommy" también iba por ese camino, y aquello vendía, y mucho. De manera que "Catch My Soul", cuando se convirtió en film , exageró los símbolos religiosos. Othelo (Richie Havens) dejaba en el armario al "Noble Moro" y en la versión cinematográfica se embutía en un lider pacifista que transforma los preciosos diálogos shakesperianos en peroratas con resabios bíblicos. Iago (Lance Legault) aparecía como un crítico decía: "encajaba como el estereotipo de todo lo negativo de un drogadicto, con una barba enmarañada y un aspecto sucio". Desdémona parecía más bien una niña pija que una hipie (Season Hubley).

Los críticos fueron bastante duros con la película "Una versión de Otelo con música rock-country en la que se filma una trivialización de la tragedia original y donde únicamente encontramos aburrimiento". El "Time Out" no era más generoso y decía "hay momentos , en los que este penoso ejercicio shakesperiano de alumno de graduación, se hacen insoportables." El New York Time comentaba. "Olvídense del film pero no se olviden de comprar el album musical".
Es curioso que esta película fuera tan vapuleada, teniendo en cuenta que la dirigía Patrick McGoohan, el hombre que había mantenido en vilo a la audiencia televisiva británica durante la temporada 1967-68 con la serie más "cult" de toda la televisión , "The Prisioner", pero se conoce que el actor-director era más ducho en los temas de ciencia ficción y en las alegorías políticas que en el musical. Por si alguien no sabía quien es Patrick McGoohan, seguro que esta foto le resultará más que familiar, por haber visto al hombre en películas tales como Braveheart o Escape fron Alcatraz.


Al margen de otras consideraciones, reitero que la versión del musical es realmente espléndida y lo más grande es que hoy ni siquiera se puede conseguir en Amazon. ( no hay edición remasterizada)En ese paraíso donde encuentras de todo , solo hay un LP a la venta a 109 dólares. El mío no lo vendo por nada, y la portada es tan chula como aparece en la cabecera del post.

EL ANGULO FEMENINO DE LA CAMARA: IDA LUPINO

He escogido deliberadamente esta imagen sofisticada y sexy de la actriz y directora de cine, sí de directora de cine, Ida Lupino. Confieso que ignoraba la faceta directoral de esta mujer, y para ser sinceros incluso su faceta artística. Esta se desarrolla entre los años 30 y 40, (aunque siguió trabajando hasta el 78) pero su nombre no llego a brillar como otras actrices de la època. Lo que ha alertado mi atención y lo que finalmente ha hecho que me decida a escribir sobre esta mujer ha sido comprobar lo difícil que lo tuvo y las zancadillas que le pusieron a Ida por decidir colocarse al otro lado de la cámara. Quienes hayan visto los episodios de "Mad Men" comprenderán que por aquella época , la horquilla temporal comprendida entre los 30 y los 60 la mujer era más un adorno o un objeto sexual que persona de talento y capaz de hacer el mismo trabajo que un hombre, en este caso concreto, directora de películas.

Ida nació dentro de una familia del "show-business". Su padre, Stanley era un cómico de music hall y su madre, Emerald, era actric, así pues la hija vino con todos los genes proclives al espectáculo.
No voy a detenerme en su carrera como actriz, más que prolífica, ya que trabajó en 70 películas y alguna que otra serie de TV. Hay que resalta dos grandes películas en su faceta actoral: "They Drive by Night" y "High Sierra", ambas compartiendo estrellato con Humphrey Bogart.
Pero en 1949 la actriz se convierte en directora. El hecho ocurrió cuando Elmer Clifton filmaba una película titulada "Not Wanted" . El hombre sufrio de repente un ataque al corazón y como Ida se encontraba en fase de aprendizaje se ofreció terminar el film sin que le temblase el pulso. Obviamente se trataba de una película de las llamadas "B" y el estudio no se arriesgaba para nada.
La dama decidió que estar tras la cámara era más que placentero y decidió seguir en la silla del director, en esta ocasión de motu propio. El título de la película fue "Outrage". El estudio se quedó boquiabierto. Aquella dama no iba a filmar una comedieta, ni una película hogareña de buenos sentimientos, nada de eso, el tema iba de una violación. El guión en el que ella también intervenía fue aceptado por la RKO y se convertía en la primera película en la que una violación se trataba bajo el lado humano, y no de forma sensacionalista. Naturalmente Mala Power la víctima, no era violada(censura al canto), sino que era víctima de "un asalto criminal". "Ida Lupino lleva la acción con buen pulso y con detalles que asombran en una "mujer", algun crítico dixit. Otros críticos saludaron a Lupino resaltando su notable maestría y su magistral uso de las sombras, que realtan la indefensión del personaje central.
En "Hard, Fast and Beautiful" Ida se supera a sí misma, ya que cumple su trabajo en 30 días con un costo de 200.000 dólares. La historia va de una madre (Claire Trevor) que se empeña en hacer de su hija Florence (Sally Forrest) una figura en el tenis de competición. Para ello se vale de un promotor falto de escrúpulos, Fletcher Locke (Carleston Young) que está más interesado en seducir a la madre de Florence que en otros asuntos profesionales. En esta película la madre, Millie, desea que su hija se convierta en una persona competitiva y libre, pero el plano final presenta a Millie en la tribuna solitaria de la pista de tenis, con los focos apagándose y sus sueños rotos.
"Toda mujer que pretenda competir en el mundo de los hombres tiene que dar de lado a su femineidad. Tenemos que luchar fuerte. Creo que las mujeres tenemos que estar al saque. Si una mujer ama a su marido, mejor que se encierre en la casa. Yo he rechazado trabajos en Europa porque tenía que dejar atrás a mi marido, a mi hija y a mi gato. Tendría que haber sido un tipo para haber podido aceptar esos trabajos....era la época"



Esta película se estrenó en 1950, pero los críticos no la recibieron con alabanzas precisamente. El crítico del New York Time dijo que cada uno de los fotogramas revelaban la gran inseguridad de la directora.

"The Hitch-Hiker" es la mejor película de Ida Lupino y posiblemente el primer "film-noir" dirigido por una mujer. A grandes rasgos ( y digo ésto porque estoy en la tarea de pillarme el film") va de dos tipos, aficionados a la pesca, que recogen a un desconocido en una carretera camino de México. El misterioso autoestopista resulta ser un asesino psicópata, autor de numerosos crímenes.
El guión lo escribieron a tres manos la propia Lupino, su marido, Collier Young y Robert L. Joseph, basándose en una historia del escritor "blacklisted" Daniel Mainwaring, que por aquellos años no podía figurar en ningún título de crédito.
La historia tenía un background real. En 1950 un tal Billy Cook asesinó a cinco miembros de una familia y a un viajante. Raptó a dos cateadores y se los llevó a México con la intención de asesinarlos. La policía mexicana capturó al psicópata antes de que llevara a cabo sus planes. Fue extraditado a EEUU y tras ser juzgado, murió ejecutado en la cámara de gas de San Quintín.


Ida consigue transmitir una atmósfera de violencia y terror a lo largo de los 71 minutos que dura el film (hoy tal vez para contar la misma historia se necesitaria 120 minutos) Edmon O'Brien, Frank Lovejoy y William Talman componen el trio protagonista de este opresivo film.
Esta película consiguió que los críticos se pusieran de acuerdo en el buen hacer de la directora, pero hubo que esperar a 1988 para que el United States National Film Registry seleccionara a "The Hitch-Hiker" para la galería de los elegidos por sus valores.

"The Bigamist" fue el último de los film dirigidos por Lupino para la RKO y se puede decir que el último de su carrera, porque "The Trouble with Angels" fue un mero producto alimenticio. En "The Bigamist" Lupino hace doblete. Fue la primera vez que se dirigió a sí misma. El tema era idóneo para mostrar el punto de vista femenino en un asunto en el que se diseccionaban las relaciones de un hombre con dos mujeres. La película no funcionó y la productora dejó de apoyar a Lupino que a partir de entonces se dedicó a dirigir lvarios eipisodios de las series que comenzaban a emerger de la TV americana.
Su última dirección de una película , ya la he citado, fue "The Trouble with Angels" que se trató de una comedieta facilona de monjas y niñas protagonizada por Rosalaind Russell y Hayley Mills.

El mérito de Ida Lupino , y su talento volcado especialmente en "The Hitch Hiker", fue abrir el camino a la mujer para que su mirada tras la cámara nos diera otro punto de vista de las historias que muestra la pantalla.

Termino este primer post de "Mujeres Directoras" con una foto glamourosa de Ida, que supo demostrar que tras un rostro bonito habia un cerebro bien colocado. Aviso al lector que conseguir en castellano las películas dirigidas por Ida es tarea casi imposible, lo siento. No tengo ni la más remota idea si en alguna ocasión se han pasado por TV en alguno de esos ciclos que ni siquiera promocionan. Una pena.